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    aisenberg por maria gainza

     
     
    Radar|Domingo, 11 de Enero de 2004
    plastica

    Saltos ornamentales

    En Combo, la muestra que exhibe en el Centro Borges, Diana Aisenberg cuelga cuadros en composé con sillones, jarrones y teteras y problematiza con insidioso candor las reglas de la etiqueta del arte. De aquí en más, quien pretenda usar la palabra “decorativo” como un insulto hará bien en pensarlo antes dos veces.

     

    por María Gainza

    Encorvado por el peso de un maletín lleno de planillas y calculadoras, un hombre gris entra a un vernissage. Media hora más tarde, copita va copita viene, empieza a sentirse a gusto y se larga a hablar. En el rutilante mundo del arte son todos tan originales y abiertos... Y el hombre es feliz. Presiente que su vida está por cambiar: nuevos amigos, un mundo de mentes amplias y espíritus libres, piensa el oficinista de 10 a 7. Cuando, de golpe, ahí la ve: unas líneas azules surcando la tela. Es la obra de arte. Entonces se anima –después de todo está entre amigos– y manda: “Convengamos que esto lo puede pintar mi hijo”. ¿Queeeeeé? El vino que vierten las botellas se congela en el aire, pero su mente, un poco alelada entre el alcohol y las planillas, tarda en procesar, y la segunda se le escapa: “Aunque mirándolo bien, este cuadro puede quedar fantástico con el sillón del living”. Antes de terminar ya sabe que no hay marcha atrás. Sus nuevos amigos se hacen humo. Sólo queda el mozo que, mientras le cierra la puerta en la cara, le explica el infortunio: “El cenáculo artístico no admite novatos”.
    Las reglas, códigos y etiquetas del arte darían material para un tratado. Y Diana Aisenberg las conoce bien; tanto como para darlas vuelta y mandarse a colgar cuadros en composé con sillones, jarrones y teteras y presentar Combo, una de las muestras con más garbo de los últimos tiempos que nos hará pensar dos veces la próxima vez que se nos ocurra subestimar algo por ser “decorativo”.

    D&D
    Matisse decía que buscaba un arte que fuera como un buen sillón: un sedante para las fatigas físicas y los problemas del día. Es probable que tuviera en mente una obra de engañosa liviandad, con un tapizado estupendo pero, a la vez, con todos los resortes en forma. Pero el punto es que la idea de lo decorativo lo atraía. Vinieron después los tiempos en que la estética fue tamizada por el moralismo post Segunda Guerra Mundial y la palabra “decorativo” empezó a connotar bajeza y mercantilismo. Lo decorativo era comercial (como si la meta del arte-arte fuera pudrirse en un sótano repleto de pinturas invendibles). La nostalgia y la intimidad cedieron ante la bravura y lo cutting-edge.
    El problema, en parte, parecería ser semántico: como adjetivo, lo decorativo refiere a lo que adorna, pero al mismo tiempo puede convertirse en un juicio de valor y designar aquello que es meramente ornamental; es decir, algo que carece del rigor y el compromiso de la obra de arte “seria”. Ésas son precisamente las aguas en las que bucea Diana Aisenberg, una artista plástica y arqueóloga de las palabras que define su trabajo como un intento de “revisar el lenguaje tanto en el objeto como en las palabras que usamos para hablar de arte”. Lo corrobora, de hecho, su recopilación interactiva de Historias del Arte, Diccionario de certezas e intuiciones, que circula por Internet desde hace ya unos años. Por eso, en una primera lectura, su muestra –curada por Graciela Hasper– remite a la idea de una pintura que pareciera comportarse como lo haría un ramo de flores en una habitación.
    Aquí todo es alegre y sosegado. Pero enseguida la impresión se ajusta: estas obras, de una fragilidad que podría desarticularse al menor suspiro, han sido pensadas y exhibidas con la firmeza de objetos soldados con Poxipol. Porque Aisenberg siempre da más: cuando todo parece de fácil digestión, agrega un giro conceptual y el espectador hace ¡plop!, como Condorito. No sólo es capaz de revisar varios de los problemas que han surgido en la encrucijada del arte contemporáneo; también intenta resolverlos: no con grandes gestos ni manifiestos sino a su manera, que es discreta y llena de gracia.
    Aisenberg pinta jarrones, figurada y literalmente: un pingüino pintado es una jarra para vino pintada y, a la vez, una tela sobre la que se ha pintado ese mismo pingüino pintado. Y en una actitud magritteana, a lo Esto no es una pipa, Aisenberg se interroga sobre la distancia entre la cosa y su representación y de paso problematiza la interrogación con una vuelta de tuerca: pintar también sobre la cosa. Pinta las sombras de las ramas sobre un lienzo, recubre el cuadro con vidrio líquido –lo que le da un toque similar al de la loza– y luego lo coloca sobre un sillón (y se pregunta sobre lo decorativo). Pinta un almohadón amarillo con trazos negros y pone encima un elefantito de cerámica amarilla en el que los trazos se continúan, lo que nos lleva a pensar que Aisenberg empieza pintando un objeto y sigue luego sobre otro, como si la obra no se acabara en el marco (y entonces se pregunta sobre los límites de la pintura). Pinta una tetera y la posa sobre un estante, cara a cara con un cuadro de una tetera (y se pregunta qué es lo que hace que una superficie determinada sea portadora de arte). Y lo que exhibe son más las preguntas que las respuestas.

    Floreros sobre floreros
    Cuando la avalancha del arte decorativo de fin del siglo XIX –los Nabis, el Arts & Crafts y William Morris, el movimiento estético, el modernismo– intentó extender los límites de la pintura aboliendo las fronteras entre las bellas artes y las artes aplicadas, lo que buscó con esas formas curvilíneas, tan enamoradas de sí mismas, fue embellecer la superficie. Todo se dio on the surface: las cerámicas, vajillas y empapelados finiseculares se cubrieron de orquídeas, nenúfares, gardenias y magnolias. Owen Jones, en su Gramática del Ornamento –la obra más importante sobre decoración de mediados de siglo XIX–, dijo que “una alfombra que cubre el suelo debe ser tratada como una superficie plana”. Si algunas de estas ideas resuenan en las obras de Aisenberg es porque sus modelos provienen de la naturaleza, y porque le interesa entender el mundo como un gran bastidor. Más aún cuando aclara: “Toda superficie es un posible soporte portador de la naturaleza del arte”.
    Pero para encarar el pas-de-deux entre el arte contemporáneo y el diseño, Aisenberg cala más hondo. La percepción de un objeto y nuestro entendimiento de ese objeto no pueden separarse. Es imposible mirar un objeto sin saber para qué sirve: la tetera, antes que nada, es una vasija para servir té, y después una vasija pintada por una artista. Pero cuando las líneas de un patito de porcelana se continúan en una tela, Aisenberg está diciendo que es en la idea de Combo –ahí donde un objeto se tensiona con la sola presencia de otro objeto y donde las personalidades de cada uno se tiñen– donde aparece un nuevo orden de conocimiento que no viene ni de la tela ni de la cerámica, sino que surge, más bien, del encuentro de los elementos.
    En la cima del frenesí del arte por el arte, Oscar Wilde escribió que “un cuadro es una cosa meramente decorativa” y agregó que “todo arte es al mismo tiempo superficie y símbolo”. Así, los de Aisenberg son floreros sobre floreros, obras eruditas despojadas de inocencia pero también, a la vez, alegremente naïves, porque aun cargadas de intensidad no dejan de ser jarrones. Como chistes –rotundamente serios pero no por ello irónicos, y es mejor así: el arte contemporáneo está que rebalsa de ironías–, las obras de Aisenberg son piezas filosóficas que revelan la confusión de valores del siglo. Y lo que es genial es que, con toda su aparente despreocupación, nunca dejan de interrogarse a sí mismas como un perro que se empecina en morderse la cola.
    Son obras, además, que no se dejan amedrentar. Porque no se puede combinar un cuadro con un sillón... hasta que alguien lo hace. Pareciera entonces que las obras de Aisenberg se interesan por lo decorativo sólo para quebrar su propia lógica. Otra vez Matisse: “Pienso que nada es más difícil para un verdadero pintor que pintar una rosa, porque para pintarla hay que olvidar primero todas las rosas pintadas”. Aisenberg es consciente de lo inevitable: habrá que aprender a ver de nuevo. El recuerdo de otros jarrones nos impedirá ver el jarrón. Por un tiempo, al menos. Se larga por la autopista buscando sus propios signos, despreocupada, mientras ve pasar como ráfagas, clavadas a la vera del camino, las señales de tránsito que todo lo reglamentan.

    Combo, de Diana Aisenberg. Proyecto Sala 2 del Centro Cultural Borges, programa creado por Graciela Hasper. Hasta fines de enero.

     

    February 23 12:41 AM | Add a comment | Permalink | Blog it | aisenberg por otros

    minoliti por aisenberg

    La metafísica sexy de Adriana Minoliti

     

    La presencia matérica de la mancha desborda el espacio quieto, geométrico, escenario donde estelan el silencio y la espera. El tiempo detenido. Bisagra entre la nada y el ser. El adentro y el afuera. El campo y la ciudad. La mujer de la noche y la mujer sumisa. La arquitectura y la geografía. El más acá y el más allá.

    -¿Viste que no hay ninguna pintora metafísica? Parece que Silvina Ocampo estudió con el maestro De Chirico en París durante seis meses. Nunca vi sus pinturas.

    Hay un despertar en el navegar sonámbulo. El más bello de los nexos es el que crea la mejor unidad entre las cosas que liga.

    Un edificio blanco y rocas en primer plano, la tierra hecha carne, las rocas escenográficas y todo el cielo que se encierra en sí mismo. Como si estuviera todo dicho, sin explicar nada.


    Me encuentro caminando con gracia equilibrista -un pie y el otro pie- sobre la línea imaginaria que me sostiene, línea cornisa, la tierra y el precipicio. Duchamp opone al vértigo del movimiento, el vértigo del retardo. Pintó el acantilado antes de hacer descender el desnudo por la escalera y mucho antes que la novia puesta al desnudo (el gran retardo). Una maquinaria estéril en la cual todo funciona pero nada concluye. Engranajes perfectamente seteados para sostener un estado suspendido. El movimiento previo a la escritura, lo informulado. Un regodeo de las vanguardias.


    -¿El diluvio? –No, la inundación.

    Podría ser catastrófica pero es auspiciosa.


    Los saberes metafísicos aparecen ligados a las bajas pasiones.
    La casa, el arca, el paquebote. Misterioso cuboide    . La geometría, un punto de vista. En el escenario teatral -entre bambalinas- cuadro por cuadro, un guión telenovelero despliega el núcleo que se desarrolla. Minoliti prepara los fluidos con materia densa, arena y brillo.  Pinta cuadros como si creara escenarios para su vida personal, mejor dicho, construye las escenografías de su cerebro, dialoga con la Historia del arte para desentrañar una espacialidad que incluya la geografía del espíritu. Mis temas -dice- son la vida sentimental, los amores, los fracasos, los detalles sutiles de las relaciones del amor, el sexo y la vida.  Mi velocidad personal.


    Roberto     Aizenberg: Presente. Los maniquíes sin rostro de los metafísicos mutaron en alegres piernas. Adriana testea el roce de esas piernas. El silbido del rayo, el fragor de los truenos y las piernas columpian sobre espinas. El erotismo comunica lo que el lenguaje se rehúsa a hacer. El círculo se abre. El aislamiento no es más que un engaño, aquí sí, hay salida. Transgredir se impone como principio moral y se revela como idea del estado incompleto.

    El desprecio implacable de la silla vacía: fracaso-privación-renuncia; como si le hubieran dicho esperá sentada. Luego la salida del adormecimiento. Hay una soledad que grita frente a la ausencia de respuesta. El Deseo -tener como objeto la ausencia del objeto- y una plegaria. Líbrame de imaginar el cielo sin mí.

    La occidentalidad y sus juegos con la nada.

     

    Una mancha exabrupta desafía a la silla vacía. En un instante quedé sin aliento. Hay un delirio infinito en un instante (no pasó tanto del tiempo en que los hombres alimentaban las hogueras con miles de brujas). La bisagra donde la espera incierta se hace alegría. El instante mismo de la trascendencia. Es el momento del giro. El goce de la materia, la ley y la trampa. El capricho.
    Como en el desprendimiento de un glaciar, los fluidos sexuales sobre la tela invaden los espacios llevando consigo todo lo que encuentran. El pulso de las piernas, el pulso del mismo fluído, el pulso atmosférico. La mancha alegre desborda el cuadro tornando la superficie abierta y pública.

    Es un instante raro, cuando el silencio desiste (la estatua habló). Es el momento de corte y la insinuación del erotismo aparece como promesa del desdoblamiento.


    El arte, dice Savinio, surgió del fecundo seno de la Memoria; el arte presta una personalidad a los objetos, y un alma a las cosas, a los muebles, a las casas.


    No hay ídolo hermafrodita, hay una historia de amor. La espiritualidad reside en el cuerpo. En el silencio, se oye lo absurdo del mundo. La serena pero inquieta superficie, rebalsa.

     

    Diana Aisenberg

    February 22 11:57 PM | Add a comment | Permalink | Blog it | otros por aisenberg

    AISENBERG POR LIDNER


    COMBO DICE LUX  LIDNER
    Buenos Aires. Los cuadros que estaban en la Casona eran "Segmento"
    "Fragmento" y "Detalle". El resto de la obra es inédita y está expuesta por
    primera vez en Mar del Plata.

    El cuadro titulado "Segmento", aparece ahora como parte de una instalación, colgado sobre un mueble. Se trata de la primera manifestación en el mundo material de un proyectado grupo de pinturas  instaladas "arriba del sillón". La idea no descarta las alternativas mas inmediatas; cuadros distintos sobre el mismo sillón, o mismo cuadro sobre distintos sillones. El punto de partida del proyecto fue la  reflexión sobre el destino final de la obra de arte, especialmente la pintura(”de caballete”) en un  hacer surf sobre el tipo de prejuicios mas común que se tiene en relación sobre este tópico  que desde hace ya años inquieta a Aisenberg (y a unos cuantos). Los  coleccionistas, señala  D.A, conviven con sus obras preferidas, colgándolas "sobre  el sillón’’(que debe ”hacer juego” con el eventual óleo, acrílico, pastel acuarelable, etc.) lo que hace que la  obra se incluya así en la arquitectura básica de nuestras vidas,  en la imagen que se ve cada día cuando uno se  levanta, y con la que  se homenajea a los invitados. Las paredes de la
    vivienda son el espacio primario donde el yo del artista y el yo del propietario deben armonizar sus colisiones.


    Iconográficamente, la de Aisenberg es visión contemporánea sobre lo que se ha pintado cuando el cuadro quiere quedarse a la hora del té. Pequeña colección de floreros, jarras sin flores,
    flores negras, flores transparentes, jarras azules. objetos queribles y domésticos cuyo reconocimiento es el pasaporte de la pincelada para eternizarse sobre las paredes de nuestro iglú.

    Están también las obras referidas al mundo vegetal, el  jardín  que se construye a partir de las macetas y plantas ubicadas en la terraza de la pintora. El  registro es el de las imágenes que los vegetales  producen en el momento que el viento los mueve. Ubicando el bastidor en el piso las sombras de las plantas lo constituyen en pantalla receptora de la imagen proyectada, con la gentil ayuda de la luz solar. Aquí la mano se remite a calcar formas fugitivas(todas las hojas son del viento), persiguiéndolas sobre la tela hasta atraparlas con un lápiz o un marcador.
    Habiendo  este ”mapa” alcanzado un razonable grado de sugerencia se dirige la pintora a su estudio  donde le espera el trabajo pictórico propiamente dicho.

     

    El trabajo sobre la luz se realiza superponiendo blanco sobre negro,

     restando oscuridad a la sombra.

    February 22 6:19 PM | Add a comment | Permalink | Blog it | aisenberg por otros

    aisenberg por amalia sato

    La tierra sin sombras

    Hasta ahora, en sus muestras anteriores Diana Aisenberg venía desplegando el baile de sombras y siluetas que proyecta el contraluz. En su nueva muestra, en cambio, convoca a una pléyade de niñas impecables para mostrarlas empapadas de prístina luz celestial, como si abrigara la esperanza de que reproduciendo la bondad y la belleza se pudieran erradicar las sombras de esta tierra.

    /fotos/radar/20061001/notas_r/plastica.jpg

    Arquitectura del cielo
    Diana Aisenberg
    Daniel Abate Galería
    Pasaje Bollini 2170
    de 12 a 19.

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    Por Amalia Sato

    La fascinación por el contraluz, los juegos de sombras, las siluetas. La luz filtrada desde un otro lado era el tema de muestras anteriores. El deslumbre. Ahora Diana Aisenberg cruza a ese otro lado: el de la luz plena, la tierra sin sombras, el backlight celestial. Y en esa incursión en uno de los temas eternos de la Gran pintura, convoca a niñas ideales, desde afiches chinos, libros de ilustraciones ingleses, o cuadernos para pintar o troquelar. Niñas activas, con sus colitas, sus trencitas, sus zoquetes, su vestimenta impecable, en la aspiración por un mundo mejor donde cada acción se constituya en una afirmación de la alegría, o del trabajo positivo reflejado en rostros perlados de esfuerzo, convencidos de obrar bien. Leer, regar plantas, saltar la soga, tocar un violín, acariciar animales, abrazarlos. La exacerbación de un borde sentimental, la cotización de una delicadeza devaluada, la saturación con la reproducción del cliché de lo bueno y lo bonito. Y alzarse de hombros.

    “Ama a tu prójimo como a ti mismo. Purifícate del mal, trabaja para la armonía universal.”
    Emanuel Swedenborg

    La respuesta encantada ante el tintineo del cristal, la magia del cairel, su brillo, sus superficies refractarias que convocan a más luz. La inclinación reverente ante Swedenborg –quien a los 56 años emprendió como un Buda nórdico un diálogo sin fin con los seres celestiales–, en la elaboración de una nueva arquitectura, cuyo primer cielo es un río cubierto de camalotes, plantas santas que sostienen niñas, alfombras flotantes que son en realidad guirnaldas enrolladas. Abundancia de reflejos a la que los peces koi con su dorado también contribuyen. Y una caravana ante su admirado Henry Darger: las Vivian con su potencialidad salvadora, presentes. Y también las pequeñas maoístas que Stefan Landsberger colecciona, con esa energía poster sin fisuras, fe en el adoctrinamiento por la imagen.

    “Yo intentaré ante todo ser honesta, justa, ayudar en donde se me necesite, alegre, amistosa y considerada. Utilizaré los recursos con sabiduría y protegeré el mundo a mi alrededor. Demostraré respeto a otros y a mí misma con mis palabras y acciones.”
    Compromiso girl scout

    Apuesta por la luz. La luz del estado de gracia, la luz envolvente en el cálculo cenital religioso, en el lifting pictórico sin sombras de las estampitas, o lo inmaculado de la pureza infantil. Inspiración nívea, seráfica, como el arco iris blanco que se le hizo presente entre la bruma de la mañana al viejo Goethe, y que el poeta interpretó como presagio de una “nueva pubertad”. Autorización a persistir, esperanzada y obstinada con otro feliz “Eureka”.

    February 22 2:23 PM | Add a comment | Permalink | Blog it | aisenberg por otros

    NICOLAS DOMINGUEZ NACIF

    Nicolás Domínguez Nacif 

        El bien común:   Nicolás Domínguez Nacif  lleva la poesía en los pies, y se mueve rápido.

    La desparrama haciéndose ciudad cuando él mismo  se camina. Como quien no quiere la cosa, como quien simplemente vive, hace  historia del arte.  Estampa juventud,( crítico agudo ), del impulso hace sistema, y del sistema entendimiento.

    La rebeldía, me digo, como motor de luz, será posible? pareciera que sí. Vivir del arte para el arte y pensar en arte, haciendo arte en el arte de decir .Su medio es el acto y el acto es su vida. Su pensamiento es acción y su obra, ofrenda. Pintor y performer, dibujante  de ironías, provocador amoroso,  relator del tiempo para el weather report. Todo esto  y mucho mas, en acto de concisa precisión. Amante del amor, enfrenta  la decepción en el afán sentirse útil. Compren arte, declara, toda persona puede gozar de este privilegio: su acto instaura el saber,

    invita  a la experiencia, y genera el beneficio de la práctica.

     

    Nicolás Domínguez Nacif Diana Aisenberg Septiembre del 2000

     

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    February 22 1:02 PM | Add a comment | Permalink | Blog it | otros por aisenberg

    marina de caro

    Marina De Caro

     

    Es muy difícil privarse  de  reventar sin parar las bubbles del plástico en que   venía envuelto tu  último electrodoméstico, de despellejar una cascarita, o tirar del punto suelto hasta destejer todo el pullover.........

    Los dibujos de De Caro son:

    los mas lindos, los mas chatos, los mas rellenos,

    los mas blandos, los mas movidos, los mas continuos,

    los mas dedicados, los mas agradecidos.

    Los dibujos  de De Caro corren como agua de río ( de río limpio)

    Son livianos, soportan peso (tienen muchos brazos)

    Tienen los dedos mas largos.

    Salen del papel, van por la pared, caminan por el techo,

     no les molesta el suelo, no les molesta nada.

    Los dibujos de Marina De Caro se tejen solos.

    Decididamente inevitables.


    Centro Cultural Borges, diciembre 2000 Marina de caro, dibujos, Para mi abuela Sofía Alexander Beikelman

     




    February 22 11:22 AM | Add a comment | Permalink | Blog it | otros por aisenberg

    enrique ahriman

     
    otros por aisenberg
     
    Mamba
    proyeccion de del video Pagina musicali

      ENRIQUE AHRIMAN

    Nunca te conformes con menos de lo mejor
    ¿y ahora qué? Antes de otro qué contar te quiero hacer reir

    voy a probar con la escena de julieta que capté en la vida real la otra noche durante una clase
    dicha clinica de pintura en dianita´s ninfeo la niña una joven hija de israel “guarda il caso” mostraba su obra in progress(3) piezas de las cuales (2) eran pequeños viveros artificiales muy tupidos de (30)cm. cuadrados hechos de plantitas en retoño y cactaceas enanas”vere di natura” prominetes (1o)cm(1) de la pared el otro del suelo que asocié a ex votos vegetales realizados en plastico
    el vivero vertical ocultaba entre helechos que el brillo rendia humedos Un viejo papel de (14) cm (x) (9) con el dibujo impreso N/b “al tratto” de una hermosa joven solo cubierta (x) algunas joyas
    el vivero horizontal mostraba a un muñeco “el chabon” en slip verde ateojos de sol y zapatillas rojas acostado boca arriba al encastre justo cacho rosa de plastilina avanzada manufactura infantil entre compact cactus “el chabon” estaba muerto pero no lo era

    Completaba el triptico un elemento suspendido(x) un hilo sujeto a la arcada del techo
    En el aire une montglolfiere hecha en cartulina plegada y coloreada

    Globo y cuna vacia (x) el momento el conjunto debe haber medido (30) cm
     de largo (15) de ancho
    volila tout sobre lo que se podia ver en la famosa clinica ofrecida a julieta esa noche en la que ella
    no hacia que decir cuanto le encantaba en las pelotas hacer lo que estaba haciendo y mostrando a tontas y a locas sin decir que es lo que queria hacer de lo que estaba encantada de hacer
    y fue llevada al rincon y en las cuerdas dio la cara
    y sufrio la lesion del yo de manual
    lloró y fue asistida
    crecio y fue adelante
    ¿qué hara julieta en (+) de su obra? ¿qué te parecio bien eh?
    ¿la chica es una bruja a sus primeros pasos o se trata de un estado de gracia pasajero?
    ¿quién sabe?¿te gustó ? te mando esta sopa de letras para que te proteja contra todo mal en el nombre del padre y del hijo el espiritu sano se abra paso en tu balero y te haga feliz claro.
    Esto esta extraido de una carta a  Marina y aislado asi no se si dice a¡go de cómo lo concebi tampoco     dice enrique al final del fragmeto
    Cada indicio implica una clave y cada clave un pacto intimo, releer y decular cada secreto deviene cansador casi sin remedio.

     el recuerdo es una tan larga elaboración que agitar las aguas c’est enmerdant. Dice él mismo en uno de sus escritos.
    Dianita´ ninfeo es mi taller, lleno de mujeres en ese entonces; las hijas de israel  en pricipio eramos sus mujeres judias - gabriela Adelstein, patricia merkin graciela hasper y yo misma que no solo era Diana y su ninfeo tambien era la madre superiora. Marina fue el amor de enrique motor escencial en la construccionde sus ultimas cartas, gran parte de sus maquetas digitales escritas en su tipografia manipulada artesanalmente solo compatible con  makintosh por lo cual, yo jamas recibi como corresponde en mi pecé.
    De muchas claves intimas apenas entendiamos el por qué porque asi era ser amigo de enrique: encontrarse inmerso en un texto donde la mayoria de las aluciones eran literarias y pronto comprendias que no llegabas a decular cada una

    Si aparecia un pinguino seguramente era el barco de Gordon Pym. Su obsesion  con la gratitud y el reconocimiento cargaba con la lectura del ordine simbolico de la madre, de luisa muraro; el encantamiento de Julieta era evidentemente Shakespiriano
    El trabajo de este artista es minucioso en la produccion de ese pacto intimo entre una palabra y una imagen y de hacer esa intimidad sonora y publica; difundirla por telefono para que llegue a tu televisor, para leerte seguramente a gertrude stein en voz alta hasta que no puedas dejar de adorarla ni puedas vivir sin ella
    quiero acordarme de mi amigo enrique y olvidarme de su obra o de la misma necesidad de homenajearlo, es complicado.
    Lo que si se aprendia rapido junto a enrique era que la lectura puede transformar el camino de la vida y que  ciertos textos eran importantisimos de ser leidos. Y he aquí     leggenda

    Lo que debe leerse, lo que debe ser leído.
    Mirar a distancia este proyecto, la television para leer, me despierta por un lado la certeza que hay muchas posibles lecturas de las cuales apenas estaria habilitada para hablar de ellas, y que cuanto mejor dejarlas en manos de especialistas del lenguaje, la palabra la imagen y ese encuentro magico ya que evidentemente esto no es una pipa.
    Creo que fue en el 97 cuando enrique llego de europa con este trabajo, lo vimos, lo acercamos a gente de televison hicimos la muestra en el borges donde se mostraban piezas de lamuestra montada en venecia. Hace rato ya que no veia el video entero. Años si, acompañé y fui parte de la construccion de sus collages, adorando ese quehacer de quien recorta palabras de un diario, de la vida cotidiana, de cada papel y cada situacion y las junta con imágenes del catalogo de una de tus amigas como quien cose o quien surce una media. Luego vinieron las cartas digitales, ya no mas tijera y plasticola. Todo este material, todo esta coser, maquetas al fin para grandes textos ploteos gigantes que empezaban en el techo y terminaba en la mitad del suelo, materia prima, maqueta para la posterior digitalizacion y lectura como musica de la television para leer. Yo no podria decirlo mejor que él, una escritura para mirar, una television para leer.
    La TELEVISION en COMUN es el vehículo para el espectáculo de una nueva legibilidad de las comunicaciones escritas con la finalidad de ofrecer EL PLACER DE LEER a quien lo conoce por otras vías y a quien no lo ha encontrado en otro lugar.

     

    La TELEVISION en COMUN invita al goce que utiliza simultáneamente distintas percepciones sensoriales mediante la presentación animada de escritos, acompañados por el sonido de las palabras mostradas y por la música que actúa como ritmo de su lectura.

     

    La TELEVISION en COMUN, con su programación de cosas A SER LEIDAS  se plantea como puente entre la televisión que transmite sonidos e imágenes tomadas de lo vivo, de personas, objetos, ambientesŠ y las redes telemáticas de acceso interactivo

    a la información escrita.

     

    La TELEVISION en COMUN transmite diversos tipos de programas elaborados A TRAVES DE LA COMPUTADORA y a partir de: documentos en papeles; la prensa

    local, nacional o extranjera; fax y telex; páginas electrónicas que circulan en redes telemáticas y comunicaciones personales enviadas a través de modern; recortes de la televisión que suponen el uso de la escritura y del televideo.


    Esta convocatoria, a esta mesa me encuentra despues de un mes de homenajes cansada, casi agobiada por la elaboracion del recuerdo y casi sin palabras frente a su ausencia. Una cierta distancia, me permite finalmente sentirme seducida y tentada de producir paginas de todo contenido agradeciendo el paso del tiempo cuando este hace parecer todo mas facil. La tecnologia hoy brinda programas sencillos para la digitalizacion de textos y tambien hace rato que no es indispensable mandar la info por telefono. Las personas entrenadas en estos lenguajes y estos programas se encuentran mucho mas a mano, todo es mucho mas sencilo que aquel momento en que Enrique Ahriman tuvo que depender de la creacion de programas digitales especiales para la realizacion de este video que basaba su distirbucion en la linea telefonica. Encuentro hoy en este trabajo una herramienta util, un medio infinito para la transmision del conocimiento, una empresa comun que espero a  Ustedes esté tentando tanto como a mi.
    Muchas gracias
    apunta ahriman en su conferencia items que deberian ser estudiados en detenimiento como que     LEGENDA prevé que el usuario adquiera el derecho de participación en las utilidades de la sociedad, por ejemplo

    La TELEVISION en COMUN dispondrá dentro de su programación de otra potencial fuente de ingresos constituida por los espacios destinados a la publicidad.

    La TELEVISION en COMUN incrementará sus propios ingresos mediante la venta de programas concebidos también para ser comercializados en videocasetes o transmitidos al exterior.

    En estos puntos me gustaria indagar en relacion  a  los modos  en que esta  television porduciria  dividendos en sus asociados y participantes, dinero y trabajo para mucha gente, motor de pensamiento que ocupó a enrique en sus ultimos meses y sus ultimos proyectos, aquí en argentina.

    February 22 11:13 AM | Add a comment | Permalink | Blog it | otros por aisenberg

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    February 21 9:18 PM | Add a comment | Read comments (1) | Permalink | Blog it | diccionario de arte

    elba bairon por fernando fazzolari

    Dicen que los jardines zen están diseñados para disfrutarlos desde el interior de la casa.
    La casa está separada del jardí­n por medio de gentiles paneles de papel, como si fueran muros de vidrio suave.
    Puede haber     cañas     de bambú o papiros en las cercanías.
    Los jardines zen no nos ofrecen normalmente simetrí­as Versallescas, son como la naturaleza, arbitrarios,     metafísicamente     hablando.
    Y dejan al ser humano predispuesto a participar de un universo utópico, transformable.
    Elba Bairon viene desarrollando ese orden desde hace tiempo, presenta, instala obras en la esperanza que el observador las ordene simbólicamente en su interior buscando algún equilibrio.
    De la misma manera en que ella las fue ordenando en el tiempo de su de creación.
    Un orden para sí.
    Augurando también la libertad de ese orden para los otros.
    Los jardines zen estimulan estados para intentar entender lo que nos rodea.
    Pero no desde el pensamiento sino desde la     más     pura intuición.
    Estos jardines no son para pasearlos, sino para contemplarlos desde el interior de uno mismo, para que la calma penetre en lo     más     profundo. Son estampas del paraíso que contribuyen a delimitar el paisaje en el tiempo y distinguir las cuatro estaciones.
    Un jardín es bello también cuando las hojas de los diferentes árboles empiezan a marchitarse.
    Un instrumento para la meditación, una forma del fin y la renovación.
    El concepto de cambio, de caducidad es así­, realmente bello.
    En el jardín de Bairon aparentemente falta sólo la grava. Aparentemente.
    En ese universo imaginario se eleva un enardecido silencio.
    Ese enardecido silencio me contrae el plexo, me garra, me angustia, sentimientos que tal vez le pertenezcan a mi espíritu y no a la obra.
    Esa permanente subjetividad.
    Pero es mi pecho el que lo duele.
    Dos niños frente a los despojos de un juego donde las formas son el único vestigio del amor.
    Indicios de su habida existencia
    Mientras un pulcro y tierno marranito husmea las sombras.
    Las nombra, las ronda.
    Numera y registra como un tinterillo esmerado la manera en que se ordenan las piedras rescatadas de la autopsia de un meteorito luminoso.
    Un rompecabezas de la vida, esa vida rompecabezas.
    Bairon junta piadosamente destrozos para tratar de recordar el juego jugado, que ya no puede ser reproducido porque el tiempo fue lijando los ligámenes y sólo desde los restos podemos rescatar recuerdo.
    De     días    , de noches y de otras menudencias de lo cotidiano.
    Y para poder exorcizarlos, hacerlos obra. Los hace sobra.
    Y más allá de la sobra, le administra ternura, trabajo y sentido.
    Esa tarea de insuflar un espí­ritu santo con la arcilla del papel en los     fósiles     leves del recuerdo, ese intento de resaltar los afectos en obra, monumentalizando instantes, miradas.
    Y que queda sino sombras, y para cuando la sombra no alcance, habrá de ser subrayada la sombra.
    Y señalada como cuerpo en el estante de la biblioteca.
    En un margen renace el color de la intimidad, un pequeño recuerdo, una luz en la soledad.
    Un color en huevo, en jofaina, en vientre. Y la vida ya en vida
    El talismán de uno mismo en el encuentro diario.
    El diario, í­ntimo registro de uno mismo.
    Por eso tal vez, era necesario tanto blanco para sostener las sombras.
    Por eso también el molde de la alegría, blanco también, que en cada una de sus oquedades mantiene como matriz la posibilidad de recrear la existencia.
    Como conejos.
    Allá­ antes que nada.
    Bairon dice.
    Bairon dice y en ese decir de pronto angustia. Eso es lo que la desencaja de su contemporaneidad.
    Aún     el arte es un medio para decir, a los gritos o silenciosamente como lo hace Bairon.
    Alterca, lo que es bueno; modifica, lo que es zen.
    Es necesario decir
    Porque el silencio de la negación nos trasporta suavemente a la psicosis.
    La muerte, de pronto, se agazapa en un amenazador vagón desalmado que enfila, sin quererlo, sobre los rieles hacia el centro del blanco tatami.
    Para cerrar por siempre el recuerdo, atropellarlo y darle fin. Que solo quede la imagen de la sombra, esa luz divina que, como la de las viejas estrellas se va perdiendo lentamente en el tiempo del espacio.
    Con infinito cariño, Fernando Fazzolari

     

     

     

    February 21 11:46 AM | Add a comment | Permalink | Blog it | artistas por artistas

    KDA

    las varitas de jorge dipaola en KDA buenos aires 2002

    February 21 10:28 AM | Add a comment | Permalink | Blog it | kiosco de artistas

    textos catalogo de exposicion


     

    marina rubino-

     

    Marina Rubino

    Muestra de agua Galería Alberto Sendros


     evocar el poder purificador de las aguas: ética y estética.Enrique Ahriman


    Agua: bendita, contaminada, cósmica, de lluvia, dinámica, estragos del hielo, inestable, la potencia del vapor, podrida, potable, volcánica, de por sí mágica.
     
    Un vaso de agua calmará el hambre de medianoche en casi un 100%.

    El agua provoca un desplazamiento de la ley de gravedad. El instinto de supervivencia frente a una situación límite despierta en los hombres todo tipo de reacciones a simple vista absurdas. El aumento de la fertilidad, la fe, la gracia, la ficción, la risa y hasta el divertimento declaran la vida, bella: difícil tarea la de no estallar en ironías.
     
    Con el agua se puede hacer una película más que un cuadro.
    Frente al fenómeno sistemático del deterioro que hace el hombre de sus recursos naturales, Marina Rubino -artista entrenada en el producto documental- descubre el comportamiento que las algas producen en el agua y en el cuerpo humano cumpliendo una función purificadora, un efecto de purga.
    El documentalista hace una pesquisa, recaba pruebas de algún hecho. Quien documenta se autodefine.     Algas de agua dice Marina, organismos acuáticos, de consistencia gelatinosa y tallos en forma de cintas, filamentos o ramificaciones, algunas sostenidas por una base común, tienen la capacidad de almacenar substancias. Algunas son abrasivas. Por ejemplo, me informa, en la muestra de agua del Pilcomayo hay algas que forman colonias laxas, que son bioluminiscentes y se combinan con otras algas fijas que tienen pigmentos refractiles. Así sucede con las muestras de agua del Atlántico, muestra de agua del Toro, del Titicaca, del Rano Raracu, del Cuarto, del Riachuelo, del CorrentosoSintetiza las formas de  las algas y las agrupa en repertorios varios: por color, por especie, por acción. Consciente de la calidad del documental como certificado de mentiras, inventa combinaciones por capacidad de posibles movimientos: algas que expulsan, que repelen, que rotan, que caen, que engordan. También inventa posibles paisajes según la muestra de agua y sobre todas las cosas, las rescata, las convierte en heroínas. Moverse en el agua, flotar, hacer la plancha.

    ¿acaso una buena obra de arte limpiaría un centímetro cúbico del agua del riachuelo

    Diana Aisenberg

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    marcelo de la fuente-
    Marcelo De La Fuente En Lele De Troya

       Lele de Troya es un restorán, que en sí mismo es como un cuadro. Tiene zonas de colores, las paredes las mesas las sillas todo del mismo color. La zona roja, la amarilla, la violeta. Para donde mires, te encontrás con un color. Arriba, al fondo, mas allá de los colores dice “espacio de arte” -señala una chapa esmaltada- y es ahí donde se encuentran pegadas a la pared blanca las 17 fotos de Marcelo de la Fuente, artista y curador de la Casona de Olivera, en el Parque Avellaneda. El espacio de arte Lele de Troya esta coordinado por la artista Ana Gallardo, también curadora. Rescato este fenómeno que crece sin parar en estos días. Los artistas argentinos pareciera, hemos decidido ocupar los espacios que otros no ocuparon, para constituir asi nuestra obra, y nuestro lugar de artistas. La obra de Marcelo es una invitación, un deseo, la idea de una noche. Bienvenidos y habitación 18 son los textos que abren y cierran el recorrido. Mi vida es privada es mía y quizás sea la tuya. Carteles, neón, hotel alojamiento, pasillos larguísimos y mucho rojo.
     Solo podrías intentar imaginarte un acto sexual, un encuentro que jamas aconteció. Me acuerdo de happy together, esa película que hizo bum. El lenguaje de las luces, los guiños y las tentaciones.         La stidicam que se acerca hace foco en la palabra caja, se detiene en una mujer sentada frente a un plato de arroz moldeado. Comida china y cama redonda. Ella está sola. Una ausencia infinita. La onda setentista de un hotel fuera de moda. Aquí, en este hotel, en esta noche, nada está mas lejos que el cuerpo. Nada sucedió ni va suceder.

    Diana Aisenberg

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      8 # D

    Laura Bumaschny

        8#D

    El mundo no es mi casa. No solo las manos hacen gestos.

    No hay intención alguna , de contar la historia de su vida.

    No miramos por la ventana: nos encontramos en un ambiente donde hay          una ventana.

    Lo efímero es permanente. Lo transparente es opaco.

    La materialidad es urbana y la operación, precisa.

    Lo sólido ha desvanecido, ya.

      El círculo casi humanizado se constituye en materia prima de un recorrido, que es la obra misma

    como si el prestigio de la forma evocara la armonía del cosmos.

    Un mundo de goma  y papel, sostenido por clavos clavitos tornillos pitones y cinta scotch.

    Una pequeña geometría insinúa el espacio continuo de un paisaje inconcluso.

    El círculo repta y se multiplica dibujando un camino del que desconocemos sus leyes.

    Seguramente es el camino a casa.

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    abanico

    muestra  colectiva, invita fabiana barreda, sala de exposiciones facultad de sicologia, UBA.exponen, juana neumann , ariel escoredo, andrea koze, laura bumashcny, gustavo navas, elisa strada.

     

    Imagino un abanico que se despliega en el intento de “hacer aire” o “hacerse aire”.

    Puedo ver el mínimo movimiento, las sutiles maniobras, que acompañan, y marcan un ritmo, el pulso.

    Ser testigo implica verse involucrado. En este caso, son mundos privados, íntimos los que despliegan su presencia.

             El juego es una constante, y no quedan rastros de Tragedia.

    Resulta obvio que las grandes verdades  han sido proclamadas ya hace tiempo.

    Ningún medio es discriminado, ningún material, ninguna técnica, ninguna consistencia.

    En el conjunto, las intimidades se entrecruzan, superponen, refuerzan, conviven o desaparecen.

    Una vez mas: la fuerza poética del color, el gesto, el  fragmento, la ciudad y su ruido, el agobio de la multitud, la historia familiar, el amor, escrito en el cuerpo concluyendo un siglo de audacias.

               Quisiera agradecer a estos artistas, el privilegio que me otorgan, de acompañarlos en esta entrega. A Fabiana Barreda, el darnos esta posibilidad, la impecable generosidad con la que cura este espacio de arte

      Diana Aisenberg 1998- facultad de sicologia

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    DOMINÓ
    mo cuando aprendés a contar uno-dos-tres- 
    O descubrís que ya sabes deletrear d-e-l-e-t-r-e-a-r 
    Leer, mirar, ....como un juego: punto – línea – mancha. 
    El color y el juego de la pintura. Una vez mas 
    La posibilidad de mirar, y entregar. 
    DOMINO: numero y numero- flor y flor. 
    Un punto, dos puntos y una flor, un paisaje 
    Tres puntos, tres flores; un punto, una luna. 
      Aquí despliega su juego, la pintora prueba, mezcla, 
      superpone. Una pintura  primaria en el sentido mas 
      sublime de esta palabra, bella. 
      Abre un juego de coincidencias. Un espacio que se 
      recorta  e intuye el mundo, fuera del cuadro. 
      La artista Yael Stein nos presenta aquí su dominó; 
      Camino donde cada paso anuncia algún otro, posible.

    para yael stein, cablevision

     

     “el hombre sólo juega cuando es hombre en pleno sentido de la palabra

    y solo es plenamente hombre cuando juega”

    Schiller

     

     

     

    La relación del hombre con la máquina no ha dejado de perturbar el corazón del hombre creador. Así lo indica la Historia remitiendonos una y otra vez a nuestra fragilidad y a nuestra temporalidad.

     

    Ya en los primeros «cadáveres exquisitos» del siglo XX , "juegos de papel doblado", los surrealistas mediaron el texto visual pretendiendo con ello crear laboratorios colectivos para la exploración de los mecanismos de la mente.

     

    A comienzos de XXI, la tecnología, mediadora en nuestra relación con el mundo, ha traspasado los límites mas álgidos de nuestra imaginación. El cuerpo siendo el receptor de estos cambios históricos y sociales se presenta como maquina de información. Manipulado por la ciencia, nos ha brindado desde imágenes impensadas hasta las mas inquietantes promesas de clonación pero no se conoce aun el hombre que haya aprendido a volar.

     

    La representación digitalizada del cuerpo humano , extraída de websites de medicina ,estudios de diagnóstico por imágenes, tomografía computada, resonancia magnética, etc., se han constituido aquí como materia prima de una exploración del potencial estético . Estas imágenes serán nuevamente digitalizadas por el artista e impresas en plotters en papel fotográfico.

     

    Los cuerpos disciplinados de la contemporaneidad presentados aquí desde una caprichosa distancia extienden todos los aspectos del ser. De este modo, lo que la visión profana cree invisible, cobrará existencia visible y el artista en su afán de transformación hace aquí, un llamado al vida.

     

    Diana Aisenberg

     

    Jorge Mangui, espacio Giesso.

    February 21 10:10 AM | Add a comment | Permalink | Blog it | otros por aisenberg

    por jorge dipaola

     

    Cita

    por jorge dipaola

    prologo para la edicion del libro Historias del Arte Diccionario de ertezas e intuiciones.

    las varitas  del mago dipaola

     

    Por Jorge Dipaola
    Edición Adriana Hidalgo

    Este libro tiene varias singularidades. Está compilado, e incitado, por una artista plástica (con infrecuente agudeza literaria, es cierto) lo que lo convierte en una perfomance, género al que hoy están propensos las galerías de arte y los museos. Es acaso el primer diccionario que produce fervor. Comenzó a conocerse como una sección fija de la revista ramona y rápidamente conquistó decenas de colaboradores dispuestos a evocar definiciones, significados, certezas, intuiciones, erudiciones, dudas y rasgos de humor. Secretamente cada lector de ramona dedicó un tiempo variable de sus reflexiones, consultó a sus amigos y envió (o no lo hizo, por indecisión) alguna de sus contribuciones acaso sin saber que estaba participando en un experimento tanto sobre la naturaleza del lenguaje como sobre la de un cierto tipo de asociación humana, una especie de antiacadémica alrededor del sentido y de su construcción.
    En alguna de sus convocatorias Diana Aisenberg (en lindo/feo, por citar una), pudo cosechar dibujos y aún tan solo trazos de tizas de colores. A cualquiera de esas respuestas puede acusársela de escepticismo sobre la capacidad del lenguaje hablado o escrito para designar objetos o cualidades. Jonathan Swift imagina un personaje que carga con todos los objetos posibles para presentarlos al interlocutor en su dialogo, y así inventa una de las mayores ironías posibles sobre el lenguaje que justamente está para reemplazarlas, aludirlas, evocarlas.
    Es rigurosamente cierto que muy a menudo todos sentimos cierta incapacidad de las palabras, cierta incompletud. No podemos decir o sentimos que no podemos decir nada por completo, que algo le falta a nuestra enunciación.
    Por otra parte también es singular la diferencia que se puede encontrar entré éste y un diccionario corriente, que apela a la autoridad para sostenerse y a los rasgos más comunes del vocablo para definirlo, cuando no se refugia en las etimologías de las palabras para asegurar su sentido, aunque en los intercambios verbales en acto la historia lo haya alejado de esa acepción.
    Pero este es un diccionario Fuenteovejuna, un diccionario horizontal en el cual se registran los sentidos que le atribuyen aquellos que hablan a lo que dicen. Son los hablantes los que le dan el significado, los que toman el poder de designar o evocar la cosa en un acuerdo común lleno de sobreentendidos. Entonces comprender aparece claramente como un acto social, contemporáneo y colectivo, un acto de cierta familiaridad entre participantes, que tiene algo de guiño. Entonces las palabras así consideradas unen.
    Lewis Carroll había atribuído a la Reina de Alicia en el país de las Maravillas la frase "Las palabras significan lo que yo quiero que signifiquen.", derivando de ese modo el significado del ejercicio de un poder absoluto.
    Por el contrario, este libro muestra un momento de libertad compartida entre quienes han sido invitados a nombrar como si fuera por primera vez, y también por primera vez a concertar significados, certezas, intuiciones, dudas, erudiciones, rasgos de humor, afinidades, diferencias.
    Tiende a ser infinito o al menos desmesurado: nuevas acepciones se vislumbran en la lejanía y nuevos participantes esperan en la cercanía de estas páginas, leyéndolas con avidez.
    Este libro no se consulta como un diccionario habitual, se lee como una narración de nuevo cuño, como si Diana hubiera descubierto un nuevo género que puede poner en escena la naturaleza del lenguaje, que quizá no se entienda del todo sin relato y que acaso necesite desplegarse en toda su extensión para ser al fin escuchado sin equívocos.

    February 20 1:28 PM | Add a comment | Permalink | Blog it | diccionario de arte

    por diego tatian

    Por Diego Tatian
    Presentación Centro Cultural España Córdoba

    Presentar un libro no es hacer una crítica; es como presentar a alguien. Cuando presentamos a alguien, damos por lo general un dato o un elemento que es como si permitiera que la persona presentada advenga a la presencia, como si su cuerpo presente no bastara. Decimos cosas tales como “Te presento a Luis, un amigo...”, “un compañero”, “mi mujer”, o bien “el doctor o el profesor tal”, etc.
    Presentar un libro no es tan diferente.
    Es raro cómo funciona la presentación, es más lo que deja afuera que lo que presenta efectivamente. De la misma manera que presentar a alguien mencionando apenas algo es dejar fuera de la presencia, es despresentar, diría Macedonio, infinitas cosas que permanecen ausentes, también en el caso de un libro es más lo que no se hará presente y quedará ausente.
    Como sea, yo ahora presento este libro, del que ustedes saben algo ya –por eso están acá. Un libro con dos títulos más bien extraños.
    “Historias del arte” presenta un doble genitivo muy interesante. ¿Historias sobre el arte o historias que el arte cuenta y le pertenecen? ¿Es aquí el arte sujeto u objeto? Genitivo subjetivo y objetivo que se verifican ambos. El otro título es “Diccionario de certezas e intuiciones”. Tal vez la presentación debiera terminar aquí. Pero pienso mientras esto escribo en un experimento de Jakobson.

    - ¿Cómo leer este diccionario, que, como descubrimos al abrirlo es un anti-diccionario, o un diccionario-performance? Se trata de un diccionario hecho para el disfrute, no para la consulta ni para la instrucción. Incluso para la desinstrucción. Por tanto se lee sucesivamente, o al menos yo lo he leído así. Recordaba al “autodidacta” de La náusea (que se instruía por orden alfabético). Pero en la lectura desinstructiva de este diccionario sucede precisamente lo contrario.
    Un diccionario, además no exento de capricho y arbitrariedad. Incluye, por ejemplo, el vocablo “beso”. ¿Qué hace “beso” en un diccionario de arte? En fin, una “entrega especial” de Diana Aisenberg lo justifica al decir que “el estado de beso es el cuerpo a cuerpo del amor que se reproduce en cualquier acto genuino de creación”.
    O la palabra “carrera”, que además de no ser un término que se inscriba de suyo en alguna historia del arte, contiene unos versos que están ahí por el sólo hecho de que su autor es mi amigo Arturo Carrera, autor de “Arturito y yo” y además frecuentador de esta casa.
    O la palabra “ciencia”, que muchos quieren que sea el antónimo de “arte”.
    Si la función clásica del diccionario es la de de-finir, esto es poner límites, este “diccionario” lo que más bien hace es correr todos los límites, o más bien borrarlos, hacerlos estallar. Y hacer ver, sobre todo las enumeraciones hacen ver, que ninguna palabra es propia del arte ni exclusiva suya: el arte tiene que ver con todo y todo con el arte. Las palabras aquí se indefinen más que definirse, y crecen rizomáticamente.
    Y así, implica una visión del mundo. El mundo como colección y multiplicidad dispersa que opera por agregación, por composición, no como organismo que se desarrolla, madura, crece. Este diccionario prescinde de todo sacrificio. Es la alegría de la expansión sin ley, de aspiración babélica.

    Un diccionario, por ejemplo el de la Real Academia, no es un objeto que piense. No puede serlo, si quiere seguir siendo un diccionario. Por eso, si comprendemos una obra de arte como un “objeto pensante”, según propone Gerald Wacjman, un diccionario, como una silla o el mingitorio de un baño cualquiera no son obras de arte.
    Este diccionario de certezas e intuiciones, en cambio, es un objeto pensante, o también, un objeto “sensible”, como dice Diana. Por eso, a lo mejor, no puede ser usado como diccionario, porque piensa y siente. E interroga.
    Interroga a quién pertenece el lenguaje. Interroga la comunidad, la palabra y el misterio colectivo de la repetición.
    En una de sus páginas más recordadas, Ludwig Wittgenstein escribió que “nuestro lenguaje puede verse como una vieja ciudad: una maraña de callejas y plazas, de viejas y nuevas casas, y casas con anexos de diversos períodos; y esto rodeado de un conjunto de barrios nuevos con calles nuevas y regulares y con casas uniformes”. Me imagino la ciudad wittgeinsteiniana como una ciudad de frontera, como un agregado más o menos fortuito de espacios completamente disímiles: suburbios autónomos como la química, la notación infinitesimal o los signos musicales; desde luego plazas pero también sótanos; lugares de comunión pero también solitarias memorias de subsuelo. Puertas entreabiertas, ventanas a medio cerrar, espacios ciegos. Como cualquier ciudad, la ciudad del lenguaje es la posibilidad, si no de volverse vidente, al menos de volverse voyeur. Este diccionario puede ser leído como un voyeur se pasea por la ciudad.

    Entre otras cosas por eso este texto vivo tiene un estatuto político. Tal vez podamos usar la palabra “utopía” para referir a él: una ciudad, la ciudad del lenguaje, donde se celebra un coloquio entre los vivos y los muertos, los conocidos y los desconocidos, los presentes y los ausentes. Co-loquio en el sentido estricto de convergencia de la palabra. Una exploración de la libertad de palabra como una libertad pública –o “compartida”, dice Jorge di Paola-, que barre con toda dicotomía y con toda jerarquía. El lenguaje no tiene origen y no tiene fin, ni arché ni télos. Es por naturaleza, an-árquico. Es posible comenzar a hablar de cualquier cosa y sobre cualquier cosa. Vale también para él la imagen inimaginable de la esfera cuyo centro está en todas partes y cuya circunferencia en ninguna.

    Hay una palabra muy común, que pertenece de una manera central al léxico de la política, la palabra comunidad. Tal vez es una de las palabras que este libro “piensa”.
    En primer lugar, es necesario hacer una aclaración. “Comunidad” es un vocablo que tiene una historia que no podemos desconocer. A partir de un célebre estudio de Ferdinand Tönnies, Gesellschaft und Gemeninschaft (1899), se opone al concepto de “sociedad”, concebido éste como término fundante del liberalismo: la pluralidad humana es concebida, según él, como un conjunto de individuos originalmente dados que, por diversos motivos (conveniencia, interés, miedo, etc.) deciden asociarse voluntariamente –como lo deciden los socios de cualquier sociedad empresarial- y, al igual que ellos, pueden también voluntariamente romper la sociedad.
    En el caso de la comunidad la cuestión es diferente; se trata de un término de connotaciones muy pesadas; una palabra fuerte de la derecha teórica y política.
    Un pensador emblemático de la derecha radical francesa, Barrès, decía que una comunidad se funda en un cementerio. Su condición sería, entonces, la existencia de un linaje, más o menos antiguo, de muertos comunes; una tradición, en sentido fuerte. La tradición de un lenguaje que, lo sepamos o no, conservaría murmullos antepasados; murmullos, entonaciones y significados forjados a lo largo de milenios, involuntariamente reproducidos y conservados cuando simplemente hablamos.
    Por consiguiente, una comunidad es siempre un paganismo, la remisión a un pago y a unos dioses propios. Por ello es que le resulta aneja la temática de Blut und Boden, que orientaba la retórica nacionalsocialista.
    Comunidad, en suma, es siempre algo previo, algo a lo que se pertenece, biológica y culturalmente.

    Pero lo que este “diccionario” piensa, si no lo he entendido mal, es que debemos apartarnos lo más rápidamente posible de la anterior acepción de “comunidad”, para reinventar la palabra y dotarla de otro sentido y otros efectos –sin olvidar además que “comunismo”, vocablo aún significativo para mí, hunde su raíz precisamente allí. Entonces, ni comunidad étnica, ni “comunidad organizada”, ni comunidad religiosa, ni comunidad sustancial en ninguna de sus variantes.
    Quiero decir, este libro piensa que es necesario seguir algunas huellas que van en la dirección contraria. Precisamente por los riesgos que el término comporta, se han acuñado algunos términos negativos, o paradójicos; Georges Bataille habló de la “comunidad imposible” -también de la “comunidad de los amantes” y de la “comunidad de la muerte”-; Maurice Blanchot de la “comunidad inconfesable”; Jean-Luc Nancy de la “comunidad inoperante”; Roberto Esposito de la “comunidad ausente”; Giorgio Agamben de la “comunidad que viene” y de la “comunidad inesencial”; y alguien, asimismo, ha definido a la democracia como la “comunidad de los sin comunidad”. Según puede advertirse, en todos estos casos se transita un límite. (Agrego en voz baja: ¿Qué es lo que este artefacto de palabras pone en acto? ¿Una “comunidad de los artistas” (con minúsculas)? ¿Pero, qué significaría esto? ¿Comunidad del arte, arte de la comunidad? ¿Lugar común, el arte?).
    Como sea, antes de estas preguntas, para hacerlas correctamente diría, es necesario acuñar otra experiencia de comunidad: no algo a lo que se pertenece sino algo que se construye; no un dato sino un efecto; no una esencia sino un acontecimiento; no una coacción sino una libertad. Comunidad, no como algo que les sucede a los miembros que la forman a pesar suyo sino una producción, una generación y un deseo. En esta acepción, entrar en comunidad con algo o alguien, con otro o con otros, es una composición intrínseca con ellos que afecta de manera decisiva a las singularidades que se implican de este modo entre sí –por eso no se trata de una mera sociedad, que deja por definición incólumes a quienes toman parte en ella-. Antes bien, en este caso, las potencias que definen a los seres se complicarán así en totalidades dinámicas, parciales, abiertas, inclusivas, en la medida en que no obstruyan mutuamente su expansión y su capacidad de afectar y de actuar, sino que, al contrario, la favorezcan. Las tres posibilidades que una criatura tiene para con las otras son: el conflicto, la inmunidad, la comunidad. Se entra en conflicto debido a la existencia de ciertas pasiones -o más bien a cierto modo de ser de las pasiones-; se es inmune respecto de los demás, al contrario, gracias a una inhibición de las pasiones, que a su vez inhibe la potencia que las pasiones expresan, de modo que se imposibilita también la capacidad natural que los seres tienen de afectarse entre sí de manera radical o intrínseca; se entra en comunidad, finalmente, cuando dos o más existencias componen sus potencias tanto según cierto modo de ser de las pasiones -diferente al que tiene lugar en el conflicto-, como según la creación de una lucidez compartida. La producción de comunidad no presupone la eliminación de las pasiones sino más bien su existencia.
    El itinerario podría ser: desconfiar de las comunidades de hecho, a la vez que abandonar la inmunidad, para producir una comunidad. ¿Qué comunidad? ¿Qué, cuál, “dónde” esa comunidad ausente, inconfesable, inesencial, que viene? ¿Cuál esa comunidad de los despojados de comunidad? Una comunidad de singularidades –quizás en el sentido en que, ya viejo, algo enigmáticamente y como al pasar, Sartre (Sartre, de cuyo nombre, siempre que puedo, quiero acordarme) habló de un “comunismo de los singulares”. ¿Quiso decir un comunismo de los raros?, ¿un comunismo de los diferentes?, ¿un comunismo de seres absolutos?, ¿un comunismo de quienes saben que van a morir? Tal vez.

    El reino de la libertad no es un lugar, puede ser cualquier lugar. “Todo lo que está allá está acá, y todo lo que no está acá, no está en ninguna parte”, le gusta decir a Oscar del Barco. Tampoco es algo que haya sucedido, o que vaya a suceder. Del reino de la libertad no podemos tener ninguna nostalgia y ninguna esperanza. Nunca ha existido un reino de la libertad, ni existirá después. Sólo puede existir ahora mismo. El presente es su arcano. Eso, el reino de la libertad, ni más ni menos, es lo que podemos inventar. Es lo que cualquier criatura, sea cual sea su circunstancia, puede inventar, a condición de hacerlo junto a otras como ella. Podemos crear, ahora, aquí, con los que quieran, una comunidad de seres libres (no sé porqué, al pensar en el reino de la libertad me viene el nombre de Jorge Bonino. A pesar de un intenso deseo de comunidad, Jorge Bonino era un libre que carecía de ella).

    La compulsiva producción de obras de arte y de artistas es el artilugio con el que el mercado inhibe o reprime la voluntad de una existencia en común, de una comunidad. El culto a la personalidad que entraña la idea de artista presupone un sometimiento mayor, el que mendiga reconocimiento, el que pide permiso antes, el que sacrifica la libertad al elogio, o al subsidio.
    En realidad no hace falta nada. Es posible hacerlo todo sin esperar nada y sin pedir nada –sin pedir, sobre todo, demasiado permiso.
    A lo mejor ese “pueblo que falta” se halla muy cerca; es eso impersonal y común y sin atributos obturado bajo los Artistas y las Obras. Eso, me parece, es lo que está diciendo Deleuze cuando hacía el elogio del hombre sin atributos y se preguntaba: ¿qué les queda a las almas cuando ya no se aferran a particularidades? “Les queda precisamente su ‘originalidad’, es decir, un sonido que cada uno devuelve, como un ritornelo en el límite del lenguaje..., y se encuentra entonces con el otro viajero, al que reconoce por el sonido...: contra la moral europea de la salud y la caridad, una moral de la vida donde el alma no se realiza más que tomando ruta, sin otro fin, expuesta a todos los contactos, no intentando nunca salvar a otras almas, apartándose de las que devuelven un sonido demasiado autoritario o demasiado gimiente”.
    Esa deleuziana cultura nómade –y este diccionario bien puede ser su mapa- se establece, paradójicamente, como anhelo de comunidad; una comunidad de linajes débiles, existencias dedicadas al enigma de las palabras o de las formas, precisamente como “tartamudos de la lengua”, que buscan “inventar un pueblo que falta” y que escriben o piensan o pintan “para los terneros que mueren”.

    Digo por último que también yo participo de un trabajo colectivo. Pero en este caso la comunidad de la que se trata es inconfesable. Y en el marco de ese trabajo colectivo -que consiste en multiplicar una serie de relatos acerca de inverosimilitudes eróticas, y cuyo título va a ser “Las mil y una siestas de Laura”- escribí una “historia del arte”, inspirado por este libro de Diana Aisenberg. Y se me ocurrió que podía traerla, es un texto muy breve, y eventualmente leerla como ofrenda o como diálogo, como manera, entonces, de “entrar en comunidad”.

     

    February 18 12:49 PM | Add a comment | Permalink | Blog it | diccionario de arte

    giraud por florencia rodriguez giles

    MARIANO GIRAUD

     

     

    Ser que deviene humano luego de un larga metamorfosis que se remonta al big bang o a alguna teoría que se lea en comics o libros de ciencia ficción. En su estado actual disfruta de la vida y se ríe de los misterios. Transforma el pesar en gracia y se convierte en una masa de sustancia irritable cuando una chica despiadada sale a su encuentro.

    Sus amigos son una suerte de rizoma espasmódico que lleva en su pecho; las relaciones, lo que siempre esta adentro.

     

    Dibuja, pinta, juega: el arte le parece algo poco importante. Es soberbio con la belleza: la usa hasta ensuciarla, no la enfrenta; intuye que allí está la muerte y eso es algo que aún no desea.

    Vive el futuro como un encuentro siempre distinto con lo primitivo. Le gustan las historias que se repiten porque sabe que en cada una de éstas resuenan todas sus vidas.

     

    Dice no creer en nada y persigue a la más bella.

     

    Se multiplica con facilidad y crea agentes que contradicen los supuestos para:

     

    creer en mitos y enormes

    convertirse en monstruo y perseguir doncellas

    encontrar pinturas en el mundo porno

    pedir ayuda para ser enchufado

     

     

    Muchos quieren hacer de él una estrella de cine, él no entiende: ¿acaso no lo es?

     

    El significado es su peor enemigo. Desea pinturas bellas e intensifica el artificio para lograrlas: terciopelo, chicas, autos y felinos. Si la bidimensión empieza a aplastarlo aterciopela la realidad; se hace espía de otros mundos, apacigua lo desmesurado. No, no es Apolo quien lo rige, es el niño Zagreo que lo devora para darle más vidas, más muertes.

     

    En sus sueños alguien invade su cuerpo,

     en la vigilia se sirve de su veneno,

     lo desparrama y produce epidemias.

     

     

    Sabe que debe añadir un simulacro, allí donde lo que desconoce espera desesperadamente ser buscado.

     

     

    February 17 3:21 PM | Add a comment | Permalink | Blog it | artistas por artistas

    garabello por pinola

    8

     

     

     

     

     

     

     

     

     

    Ocho intentos de aproximación a la obra de Octavio Garabello

    Pagina octava

    Anterior o posterior a las páginas 8_1)u 8_2)

    De la composición

     

     

     

    Juguetes caleidoscópicos gaseosos giratorios elípticos escalectric continuo anillo de moevius velocísimo capitanes de saturno siameses hipnofláuticos pasta de osos yummy pendulo cumbia sin sintaxis cumbia cumbia cumbia con taxis salchichas cabras velociraptors prismas cuatridentes  triceratops mini coopers camarasaurus polaroids de gelatina policromada.

     

     

     

    Pagina octava

    Anterior o posterior a la página 8,88

    Sobre la serie de los bares

     

     

    Ventiladores de piso, mesas de techo, mozos atmosféricos, consumidores flotantes, todo espacio es reversible.

     

     

    Pagina octava

    Anterior o posterior a la página 8x8

    Sobre los cruces, capas + capas  o probables clonaciones instantáneas

     

     

    Morsa cola tenis pro, fiat 600 tiranosaurus, bueyes bmw, nuca Malena  autopista, rapetosaurus pugilístico, colectivo vienísimas y mas terneros cabras, gallo autopartes warnes.

     

     

    Pagina octava

    Anterior o posterior a la página 8+8

    Sobre los cruces, capas + capas  que son independientes entre sí

     

    Imagen congelada de un cruce de veladuras toro, veladuras autos, veladuras dinosaurios, transparencias accidente automovilístico, instante de dos extraños que se encuentran por única y última vez.

    El extrañamiento del amarillo  frente a la destreza deportiva de los siameses con casco.

     

     

     

     

     

    Pagina octava

    Anterior o posterior a la página 8%

    Sobre el paraíso o el infierno

     

     

    Si usted deja que su madre le arrebate el cuchillo corre el riesgo de perder un ojo y este podría ir a parar  al infierno o al paraíso en un vuelo de alta velocidad.

    Eche un vistazo, una pupila mira a través de prismáticos de una lente azul y otra roja, tecnología 3d en el papel, la otra en un view master girando girando.

     

     

    Pagina octava

    Anterior o posterior a la página 8/8

    Sobre los estornudos ufotrópicos

     

    Escrito espontáneo o incontenible, no violento como la catarsis, define Oto.

    ¿Cuantos estornudos ufotrópicos hay en la obra de oto que inquietan, que interrogan, que se oponen, que se superponen y hacen tan extraño y habitable el lugar? 

     

     

     

    Pagina octava

    Anterior o posterior a la página 8

    Sobre el churrasco, la mosca y la campana de cristal

     

     

    Me dijo Oto que para poder crear moscas basta con dejar unos días un trapo húmedo sobre un churrasco crudo cubiertos por una campana de cristal.

    Capa de cristal sobre capa de agua sobre capa textil sobre capa de carne. Hay moscas.

    Hay obra.

     

     

     

    Pagina octava

    Anterior o posterior a la pagina 8a

    De la serie de los retratos

     

     

    Oto por vos, por mí, por ustedes, por nosotros, por él. Oto por la lente de Malena, Oto organiza nuestras capas, nuestras veladuras sobre él mismo.

     

     

     

     

     

     

     

    Pagina octava

    Bonus track

    Anterior o posterior a la pagina 8bis

    De la serie las luchadoras

     

     

     

    Posters hípicos. Yeguas, pelo  brillo wellapon.

    Yeguas avispón verde en el bosque.

    Creo que las yeguas luchadoras pueden proteger.

    Incluso son más ágiles que los dinosaurios, estos  siempre cargan con auto partes de gran peso.

     

    February 17 3:18 PM | Add a comment | Read comments (3) | Permalink | Blog it | artistas por artistas

    bellmann por fede lanzi

    Maxi Bellmann, definirlo formalmente como artista visual es un poco complejo, es que su background es amplio : crea , dibuja, pinta, hace música, videos y diseña, su cuarto está lleno de cosas, cosas que se encontró , o lo encontraron a él,  se parecen a sus dibujos , esos dibujos que guarda en cuadernos del que salen después las imágenes y las ideas para el resto de sus trabajos.

    Su obra es como una red de estímulos visuales simultáneos ,y maxi, pulpo psicodélico en red de trabajos simultáneos. En su base de operaciones , en su cueva ,traduce en ciclos lo que después serán pinturas, videos o instalaciones. Le interesa el sistema de representación de imágenes sumerio y las imágenes primitivas, esas que al hombre le son casi propias a nivel de reconocimiento, esas que pintaban en las cuevas.

    Las cuevas, sí,  una y otra vez.

    Maxi tiene también sus propias imágenes primarias en sus obras: una cabra  mira rojo en un rojo cielo de serpentinas de colores (¿ las mismas serpentinas del traje y la batería disfrazada que usó y diseño allá por el año 94 para el  recital performático de verde líquido ?), una  fogata en una pileta con plantas ( ¿la pileta y el patio de su casa de Paraná ?).

    Lo sorprenden y se sorprende con imágenes que mira como por primera vez y  se permite la distorsión visual, inducida o natural, así por ejemplo un grupo de personas puede convertirse en una manada y el que las mira en un mono, una araña en objeto de contemplación y una cabra en un ser humano; los monos , las manadas, las cuevas , lo primario, son piezas que ocupan un lugar importante  en el tetris de su obra.

     

    February 17 3:15 PM | Add a comment | Permalink | View trackbacks (1) | Blog it | artistas por artistas

    ballabriga por carlos nunes

    GUSTAVO BALLABRIGA

     

     

     

    Gustavo resolveu sair de casa, deixou o trabalho de estúdio

    e a arquitetura de imagens e foi pra rua para se tornar
    um voyer do cotidiano.

    Se coloca a poucos passos ou centímetros de seus objetos

    de interesse e com um instrumento que em teoria serve para

    falar, ele fotografa. São momentos íntimos: o silêncio de

    um porteiro que dorme ou a viagem de um motorista de taxi

    que não percebe que está sendo fotografado ou filmado.

    Gustavo também é um voyer de seu mundo. Registra cenas de

    sua casa noturna, grava conversas com prostitutas e putos,

    depois las cataloga, las mescla e monta obras com isso.

    Um voyer de corpo presente que se relaciona com seu objeto

    de interesse para dele poder tirar momentos únicos, íntimos

    e as vezes sensuais.

    February 17 3:12 PM | Add a comment | Permalink | Blog it | artistas por artistas