Casi anónima sonríes

Y el sol dora tu cabello

¿Por qué para ser feliz

hará falta no saberlo?

Fernando Pessoa

RETORNO Y VENGANZA DE LAS DECAPITADAS

La danza del olvido.

-yo vivo, porque vivo.

-claro, nosotras también.

Estudiar, entender, saber, conocer, amar. Conocer, dice el viejo testamento, es hacer el amor. Adán conoció a Eva.

¿Quién piensa: el cerebro o el hombre? Mis manos son cabezas dice Male. Una cabeza en cada dedo. Murmullo y manantial. Si el murmullo llegara a ser Uno. Un murmullo. Invocar un paraíso en el que no se cree, un estado de iniciación sin exigencia.

Isla bosque a la que se llega andando.

Cabezona: cabeza de agua, macrocéfala, cabeza hinchada, estructura blanda, llena de nada, sol de oro, bola de luz. Materia dorada, ley del conocimiento.

Conjuros de la melancolía.

Niñas en un bosque acotado, isla oculta de la vida. Cabezonas sin edad y con el pensamiento fatigado, olvidadas de sí. Agachadas, con la cara tapada, con la mano en el bolsillo, por agarrar algo, mirando, a veces rezan.

Esperan atentas, señalan. Esperan algo. Lo que está por venir.
Reposo, caída y contemplación. Más allá de las letras. Más allá de alabanza y censura.

¡¿Que tendrían en común con gatos y lobos?

La lectura: remarcar, subrayar, escribir en los libros, dibujarlos. Hacerlos circular, la danza. La música tranquiliza la mente, la danza descansa. Foto música dibujo pintura bordado escultura. La danza.

En algún lugar de la mesa crecerá una planta y apuesto a que de esa cabeza nacerá un bebé.

D-a-r-a-l-u-z.

La inocencia, el niño y el olvido.

Diana Aisenberg, 2008.

luz y sombra

aisenberg, 2008

Maria Ibáñez Lago.A vuelo de pájaro

Una vivencia diurna. Un fragmento dictado a una conciencia imbuida de un ser celestial. Algo luminoso, misterioso, incluso temible. La luz, verdad y espiritualidad pura. Lo lleno de luz. Temor y esperanza. Mundo aéreo. No hay principio ni fin. El artista decodifica y la escena que precede, enuncia el porvenir de un recorrido lineal. Oír y leer. El Espectador serenamente conducido por las alturas, sobrevuela un libro abierto. Planea hacia la imagen midiendo distancias sin tener en cuenta los accidentes terrestres. Retorna una y otra vez a situaciones de fe. El punto de vista  es omnisciente. Una voz épica infinita relata escenas de una cultura que pelea por sobrevivir. Sagas de los pueblos en tiempos anteriores a la existencia del  automóvil. Hay desplazamientos que producen secuencias temporales vistas en simultaneo. Hay una flor blanca y una flor negra. Las flores son la sustancia por la cual hay pelea. La materia prima, el elixir, a su vez, el agua.

Gabriela Gutierrez. Encanto Sucurí.

Una vivencia nocturna. Un fragmento soñado, visitado. Algo oscuro, misterioso, incluso temible. La oscuridad, verdad y espiritualidad pura. Lo lleno de oscuridad. Temor y esperanza. La muestra  lleva el nombre del río que lleva el nombre de  la Anaconda que habita en sus aguas y se traga a los carpinchos enteros, la temida Sucurí. El Espectador serenamente conducido, se zambulle en las profundidades submarinas, en la humedad de los esteros. Retorna una y otra vez a situaciones de fe.Los animales descansan, La luz entra a través del agua. Noche. Microclima de tiempo lento y espacios húmedos, oscuros, con calendario, escudo y simetría. Naturalismo a la manera del manual de biología. Arquitectura y diseño en los formatos y soportes. Las cavernas, o las profundidades de la selva, flora y fauna local. Monos, el leopardo, y el yaguareté. Un instante quieto, el agua cae y los animales duermen, escoltándola

Colitas y Bobbies
En esta operación nominal o de nomenclatura, Nuria Kojusner elige establecer categorías genéricas en relación al ser perro basadas en la materialidad de la obra. Aquí las elecciones reposan sobre elementos estrictamente formales y básicos. Se intenta excluir a la calidad perruna de toda humanidad, y encontrar así la pura animalidad de esta existencia. Los colitas aparecen en papel, bastidor. Es el soporte -estampilla, postal, bastidor- o el medio-dibujo, acrílico, óleo, pastel-lo que los define. Los Bobbies son los objetos, acostados o en la pared. Incluye en esta categoría a los perros con cola. Pinípedos, así como hay lobos marinos, en este universo está el pez-perro. Con forma de perro y en lugar de miembros posteriores, una gran cola, no son sirenas, son presencias acuáticas. Algunos sabrán como yo, que en el Río Paraná, en tiempos de cólera, se instala el pez perro en las aguas color tierra, y atemoriza a la población.
Bobby y Colita dice Nuria, son genéricos, porque en una época, eran sinónimo de perro. En esta operación reduce el énfasis de la representación personalizada. Son perros, vivos muertos, de raza, de la calle. Todos son perros. El uso de colores plenos para los fondos colabora restando  información del medio externo. El almohadón donde descansa Bobby evoca tanto la vida cotidiana en el siglo XX, como un atributo renacentista o barroco en los retratos personalizados de nuestra historia occidental. Son Perros. Pintados, impresos, objeto-perro. En el suelo, en el cielo, en la pared, en la tela, en la masilla, en la arcilla. Una imagen después de la otra, como fotografías en un álbum, un catálogo o un almanaque. La paleta es irreverente. El pelaje: hilo por hilo, hebra por hebra. La presencia de la obra atraviesa la materia, la fidelidad está en la mirada. Yo soy perro.

Guardián: de mi  voz, de el silencio, mi silencio, de tu silencio.
 
No puede explicarse la mirada de perro a quien no la haya visto.

Diana Aisenberg, 2008.

Ines Diaz Saudibet :el arte es una promesa de felicidad.

Triangulo-cuadrado-círculo.

a-b-c

Deletrear, como cuando empezas a caminar: d-e-l-e-t-r-e-a-r.

Inés busca la palabra justa, la forma justa, la lengua madre.
 No quiero cuadros -decía Mondrian-, lo único que quiero es descubrir cosas.

La espiritualidad en el arte navega históricamente, entre el vitral gótico, el cuadrado negro de Malevitch y la proporción áurea. La pregunta que insiste es cuan abstracto puede ser lo abstracto y que posibilidad tendría la pintura de no serlo. Cual es el margen que intuye la geometría de no construir figuras.
Resulta poco frecuente percibir momentos certeros en las discusiones sobre los puntos de encuentro entre la búsqueda del YO y el ser universal. El sentido y el sinsentido- el vacío y el contenido. Es hora de descansar de esta suposición de enfrentamiento y observar los usos del lenguaje.

Dame colores-dijo mama.

La pintura es un modo de acompañar el paso del tiempo: todo el tiempo en un pantallazo. El universo en un retazo. La composición, un talismán.

Lo que me gusta de esta obra es la falta de pretensión de lo absoluto. Esta pintura se complace en permanecer sin esperar exaltación ni revelación. No es el lenguaje puro

el que busca una sensibilidad sino es la sensibilidad la que encarna el lenguaje.

Hay un modo distraído del color, de construir el paisaje. Hay un optimismo de la forma.

Distraída y optimista es superficie, es color, acercándose al territorio vedado, inconcluso, que la poesía anhela.

Acá hay pintura. Alguien tiene dos corazones.

Cuando dije azul, cerró lo ojos.

Diana Aisenberg

El dolor no semeja los movimientos de un alfiler,

 pero puede semejar perfectamente los movimientos

que este alfiler causa en nuestro cuerpo y representar

esos movimientos en el alma.
Gilles Deleuze

Conocí a Daniel cuando recién había llegado de Méjico, con un bagaje que ni el mismo reconocía, en relación a la diferencia que resultaba en la conformación del mundo artístico porteño.

No solo contaba con años de trabajo junto a Ramis Barquet, haciéndose cargo de ferias y sobresalientes firmas en la renombrada galería mejicana ya con sede en NY sino que también era pintor de iconos, y traía en sus manos una necesidad de contacto con la materia, la pintura, la madera: pintar el icono hasta que el icono llore, (eso me dijo, y no lo olvidé).

En ese momento trabajaba en teatro y escribía un libro, una hiperactividad y un abanico de posibilidades que no se encuentran con facilidad. Un gran productor, poco convencional e imparable. Saltarín, pícaro, curioso. Perdido o perplejo, como se encuentra cada ser que he conocido al momento de llegar a Buenos Aires, luego de años de ausencia. Yo misma he pasado por ese tramo. Volver a Buenos Aires, hay que pasar por eso para entenderlo. El contacto fue fácil tengo un imán para los recién llegados.

Me dijo que necesitaba pintar, y en el taller a mi lado, y en un pequeño grupo de mañana, pasaba horas pintando acuarelas sobre páginas de libros deshechos.

Playmóvil no fue su idea, tampoco se llamaba Playmóvil. El primer nombre que le pusimos fue chasis, e incluso fue declarado de interés cultual y teníamos una carta que lo avalaba con ese nombre. La intención era hacer una obra colectiva en un camión, un flete. Una muestra que recorriera la ciudad e instalar literalmente la necesidad de circulación de la producción artística local. Circular, eso podía hacerse en un móvil. El nombre se cambio por capricho e impulso, y del mismo modo Daniel se hizo cargo de la gestión junto a Vanesa Saca. Lo hicieron, hablaron con Méndez y montamos una muestra colectiva que inauguramos en la vereda, en Corrientes y Pringles. Servimos vino a los transeúntes que recorrían la muestra dentro del camión-usamos el cartel municipal e la calle  para promover el encuentro. El evento fue difundido por crónica TV en todo el país y participó del estudio abierto. Lo mejor, fue el momento de atar las obras con una cuerda para trasladarnos a la sede del estudio abierto del Abasto. En ese momento, los cuadros, las esculturas y videos que transformaban un camión de transporte en una sala de exposición, se volvieron todas una sola obra, fue un momento bello, así lo recuerdo, obras cosidas entre si unían personas, objetos, roles, producciones públicas y privadas, un objeto único que respondía a un concepto de arte total, ampliado, histórico. Esa misma muestra se mudó luego de la inauguración a un espacio más dentro de la muestra colectiva del evento general.

Hay una búsqueda por desarrollar formas de rebeldía que no se dejan canalizar dentro de los formatos convencionales.
No se de qué manera ni puedo especificar, como fue que a partir de esta experiencia Daniel abre la galería, del mismo modo que no puedo especificar como es que los artistas que trabajan a mi lado generan transformaciones brutales en su modo de ver el arte. Es así como sucede, no estoy hablando de un acto mágico, sino de un devenir artista que acontece en la posibilidad de atravesar la experiencia de la pintura como pensamiento, experiencia en el espacio y la materia, un acto físico, sensorial e íntimo que lleva a comprender ciertos movimientos inasibles. Encontrar roles y posiciones individuales frente a las versiones temporales que el contexto ofrece. Daniel se comportaba como el dueño del proyecto, cosa que nadie concebía, porque no lo era, sin embargo algo de esa experiencia marcó un lugar interno.

Hay en Daniel Abate tanto un afán justiciero, como un espíritu mercantil diría genético. Esa conjunción corre por sus venas. El hecho de haberse formado fuera del país le concede todavía hoy una mirada con distancia. Intuyo que esto lo ayuda a no ir detrás de ciertos lugares comunes y mantener su ojo fiel a sus amores, sus instintos, sus impulsos y caprichos. Es cierto que frecuentemente funciona como un artista, arriesgado, inventando un mundo que lo proteja de la atmósfera general, un mundo íntimo y avalado sobre todo por su propia fe. Quiero rescatar especialmente su disposición al aprendizaje, y su capacidad de cambiar radicalmente políticas a partir de nuevos entendimientos. Hay un movimiento alquímico en sostener la probabilidad de crecimiento de los artistas argentinos dado el contexto histórico, la paupérrima contención a nivel nacional y provincial, la falta de protección cultural y la falta de conciencia institucional en relación al arte como patrimonio y construcción de poder a nivel internacional. Existe un carácter afectivo que anima a paliar situaciones imposibles. Pienso en la presencia nula del arte argentino como escuela que se ha confirmado históricamente, y en los casos individuales que avanzan sobre estructuras denominadas mainstream. Hay un interés especial en este galerista hacia los parámetros y estrategias de inserción de los artistas en el mercado, reinventar y sumar. Es sabido que críticos y galeristas se ensalzan a menudo con frases como-yo lo descubrí, yo lo inventé, que tan mal caen a los artistas. No es que podamos eximir a Abate de esto pero si es fácil reconocer que este tipo de apreciación es acompañada por un gran trabajo logístico. Hay un interés en hacer una diferencia a veces difícil de percibir. En cierto momento histórico se creaban movimientos, llevaban nombres, manifiestos, hoy en día hay que moverse, y eso sí lo hace Abate, corriéndose de su lugar de artista, a productor, ideólogo, vendedor.

 Podría decirse del conjunto de artistas que elige, que buscara conformar un mundo alegre, una atmósfera común, un mini wonderland para la paz del alma. Un jardín de bonanza. Un momento de respiro, el arte que da felicidad. Sus relaciones con los artistas son pasionales y sus movimientos para sostener la continuidad de la galería son pasos de baile, a veces imperceptibles, a veces muy rápidos e intrépidos. Apuestas, verdades no reconocidas públicamente, juntar lo imposible, instalar belleza, son impulsos que lo mueven. Allá, acá, trasformar, llevar, traer, reubicar, cambiar, cuidar a los artistas-dice, -el galerista es responsable de la formación y la carrera de sus artistas. Que el icono llore, tal vez esa siga siendo su meta.

Diana Aisenberg

y tiempo hay.......


a-parte, a-total, dividido, fracción, fractura, iníntegro, intotal, parcial, partícula, porción, rasgo, segmento, tramo, trazo, trozo,

 tres acordes de la canción de cuna.

Querida Mercedes:

Tan fácil es para mí pasear por estos paisajes, me son tan afines. El paso es lento, no hay mucha gente alrededor. Hablamos bajito, como si los que no están, también fueran a escucharnos.

Todo es pequeño, aunque el pájaro sea gigante. Viene cuando quiere y vos lo apresas con un clic. Alguien muy grande puede aparecer en cualquier momento: el que espía. El extraño, un extranjero quizás. Las ciudades y los árboles sumidos en el silencio que promete el desconcierto.

Las niñas tienen los ojos vendados, la mirada hacia atrás, hacia adentro. La concentración es máxima y la nostalgia ¿dé qué, de quién, de qué momento? Nostalgia y espera. Todo se suspende en un vacío inmenso que, a lo más frágil da consistencia.

 Somos el reflejo aislado de una realidad sangrienta o apacible, nosotras, paseando por aquí. Pequeñas casas, pequeños habitantes. Un murmullo, un suspenso diría, ¿viven ellos aquí, qué hora es, quién va a entrar por esa puerta? Cuál es la puerta.

Encuentro tal presencia en esa pequeñez, que ni siquiera me siento grande. No es mucho lo que sucede, no sucede nada. Es el granulado en el trazo del lápiz, en el papel, el patrón que cubre la madera, la junta de los pedazos que hacen la casa, el castillo, la iglesia. Cada imagen en cualquier medio guarda el tiempo eterno del alma, aun cuando la eternidad parezca inconcebible. Incluso el tiempo aparece aislado.

Las partes unen lo que del vamos estaba disgregado. Donde no había nada, está el acto. Unidades que sobreviven para la reconstrucción de un mundo que no ancla en ningún lugar, en ninguna parte. Un mundo hecho de detalles, un recuerdo, un andar a ciegas, a tientas.

A tontas y a locas? No, a tontas y a locas no. Todo está cuidado, limpio, esmerado. Queremos seguir viviendo, más allá de esta nada. Los fragmentos recomponen. Hay una oscuridad amenazadora, toda blanca, pulcra. Pequeña obra monumental arquitectónica.

Una pequeña obra de arte que siempre será inacabada, un mundo por venir, un anuncio.

Gracias de corazón por traerme a pasear por aquí, siempre es y será un placer, un conjuro contra el miedo.

Diana Aisenberg

.

Mira platero, el canario de los niños

ha amanecido muerto es su jaula de plata

Juan Ramón Jiménez

Jorge López nace en San Juan, Argentina.

Vive y trabaja en Valencia, España.

La salida al mar: del desierto con poca agua dulce, recorriendo la extensión de La Pampa, Rosario, Tandil para salir al mar, mucha agua salada en Mar del Plata de donde sale el 14 de mayo del 2004, previo paso por Ezeiza rumbo hacia el Viejo Continente, desembarca en el Mediterráneo, Valencia Como el recorrido del agua. De las mentes difíciles de la provincia argentina, a la provincia española, salvando algunas diferencias que no son tantas. El pelo púbico como línea: de la montaña al mar del mar al transoceano.

P latero y yo exploran la percepción del arte y la figura del artista atravesando la historia y la sociedad contemporánea. El hombre debe inventarse a si mismo para descubrir lo que es; no hay dos iguales. Entre la originalidad, y el facsímil, busca el artista su lugar en la historia

-Me gusta el Bambi, pag.14.

Un libro cuaderno. Un menú, un viaje sobre la obra, en el transcurso de las páginas. Una bitácora dibujada: sutil, directa, sobre papel, frágil, lo mas adecuado para un proceso de pensamiento. Está debajo del mural, Ud. lo puede tocar. En la página desplegable entre la 30 y la 32, hay un plano del cerebro de Jorge López intervenido por algunos artistas del arte contemporáneo. El libro se llama DOLOR.

La humillación es una forma de relacionarme. Pag. sin número, portada del desplegable.

Comparten el cerebro de Jorge: Kiki Smith; Andrés Serrano; Jan Sandek; Wolgang Tillmans, Zoe Leonard, Nicola Constantino; Paul Mac Carthy; Larry Clark; Nan Goldin; Mike Kelly; Pablo Suárez; Sally Mann; Tracey Emin; Cindy Sherman; Robert Mapplethorpe; Thomas Ruff; Nabuyoshi Araki; Joel Peter Witkin.


GAME OVER

-¿Todas las secciones de tu cerebro intervenidas por los artistas son de tu gusto
 o hay quien toma tu cerebro por la espalda?
- Beuys.
La liebre de Beuys renace conmigo. Es guarra, rosada, transexual insolente. Provocadora.
-¿Vos sos la liebre? -Sí.
(el conejo es liebre, es de Alicia, es de Durero).
Hay un tinte a baño público en los textos que acompañan las imágenes Los niños con textos chorreados son acuarelas realizadas con mucho cuidado y cariño y luego maltratadas y orinadas. El orín deforma el texto, por eso chorrean.  La zanahoria esta partida y peluda. Es que no hay tal zanahoria. Una distancia de la distancia, ya anunciada en el título de la muestra se asocia con el posible desdoblamiento de masas, (encefálicas) en cajas de resonancia adecuadas.
 -¿Decís que la historia del arte te comió la cabeza?- Me vició.
-¿La orinas para alejar los vicios?-Primero me apropio, luego la orino.

Las referencias son directas, evidentes. El eco rebota contra todos los soportes y sobre todo, sobre el propio cuerpo del artista que funciona como soporte y sus fluidos como pintura. Atracción o repulsión viscosa y táctil. Crueldad agresión tortura crimen sexualidad amor y muerte. La historia del arte convertida en historia de amor. La apropiación como acto de amor se torna morbo. El cabrón que borró el dibujo que salía cien mil dólares. El artista en busca de un sentido que pueda convivir con fantasmas.
-La diferencia está en la persona.

La obra como puñal, exorcismo cura, (gracias Beuys). El puñal parece un juguete. Los maestros, las referencias, los ganadores de la historia, los inscriptos. Los héroes están muertos. Los penes caídos, antiporn.
 De cómo se ve el pene: una cuestión cultural.
No es lo mismo estar de ida que de vuelta, decía Enrique Ahriman, y es muy útil recordarlo. Bienvenido Jorge López.

Diana Aisenberg.

Nunca te conformes con menos de lo mejor
¿y ahora qué? Antes de otro qué contar te quiero hacer reir
voy a probar con la escena de julieta que capté en la vida real la otra noche durante una clase
dicha clinica de pintura en dianita´s ninfeo la niña una joven hija de israel “guarda il caso” mostraba su obra in progress(3) piezas de las cuales (2) eran pequeños viveros artificiales muy tupidos de (30)cm. cuadrados hechos de plantitas en retoño y cactaceas enanas”vere di natura” prominetes (1o)cm(1) de la pared el otro del suelo que asocié a ex votos vegetales realizados en plastico
el vivero vertical ocultaba entre helechos que el brillo rendia humedos Un viejo papel de (14) cm (x) (9) con el dibujo impreso N/b “al tratto” de una hermosa joven solo cubierta (x) algunas joyas
el vivero horizontal mostraba a un muñeco “el chabon” en slip verde ateojos de sol y zapatillas rojas acostado boca arriba al encastre justo cacho rosa de plastilina avanzada manufactura infantil entre compact cactus “el chabon” estaba muerto pero no lo era

Completaba el triptico un elemento suspendido(x) un hilo sujeto a la arcada del techo

En el aire une montglolfiere hecha en cartulina plegada y coloreada

Globo y cuna vacia (x) el momento el conjunto debe haber medido (30) cm
 de largo (15) de ancho
volila tout sobre lo que se podia ver en la famosa clinica ofrecida a julieta esa noche en la que ella
no hacia que decir cuanto le encantaba en las pelotas hacer lo que estaba haciendo y mostrando a tontas y a locas sin decir que es lo que queria hacer de lo que estaba encantada de hacer
y fue llevada al rincon y en las cuerdas dio la cara
y sufrio la lesion del yo de manual
lloró y fue asistida
crecio y fue adelante
¿qué hara julieta en (+) de su obra? ¿qué te parecio bien eh?
¿la chica es una bruja a sus primeros pasos o se trata de un estado de gracia pasajero?
¿quién sabe?¿te gustó ? te mando esta sopa de letras para que te proteja contra todo mal en el nombre del padre y del hijo el espiritu sano se abra paso en tu balero y te haga feliz claro.
Esto esta extraido de una carta a  Marina y aislado asi no se si dice a¡go de cómo lo concebi tampoco dice enrique al final del fragmeto
Cada indicio implica una clave y cada clave un pacto intimo, releer y decular cada secreto deviene cansador casi sin remedio.

 el recuerdo es una tan larga elaboración que agitar las aguas c’est enmerdant. Dice él mismo en uno de sus escritos.
Dianita´ ninfeo es mi taller, lleno de mujeres en ese entonces; las hijas de israel  en pricipio eramos sus mujeres judias - gabriela Adelstein, patricia merkin graciela hasper y yo misma que no solo era Diana y su ninfeo tambien era la madre superiora. Marina fue el amor de enrique motor escencial en la construccionde sus ultimas cartas, gran parte de sus maquetas digitales escritas en su tipografia manipulada artesanalmente solo compatible con  makintosh por lo cual, yo jamas recibi como corresponde en mi pecé.
De muchas claves intimas apenas entendiamos el por qué porque asi era ser amigo de enrique: encontrarse inmerso en un texto donde la mayoria de las aluciones eran literarias y pronto comprendias que no llegabas a decular cada una

Si aparecia un pinguino seguramente era el barco de Gordon Pym. Su obsesion  con la gratitud y el reconocimiento cargaba con la lectura del ordine simbolico de la madre, de luisa muraro; el encantamiento de Julieta era evidentemente Shakespiriano
El trabajo de este artista es minucioso en la produccion de ese pacto intimo entre una palabra y una imagen y de hacer esa intimidad sonora y publica; difundirla por telefono para que llegue a tu televisor, para leerte seguramente a gertrude stein en voz alta hasta que no puedas dejar de adorarla ni puedas vivir sin ella
quiero acordarme de mi amigo enrique y olvidarme de su obra o de la misma necesidad de homenajearlo, es complicado.
Lo que si se aprendia rapido junto a enrique era que la lectura puede transformar el camino de la vida y que  ciertos textos eran importantisimos de ser leidos. Y he aquí leggenda

Lo que debe leerse, lo que debe ser leído.
Mirar a distancia este proyecto, la television para leer, me despierta por un lado la certeza que hay muchas posibles lecturas de las cuales apenas estaria habilitada para hablar de ellas, y que cuanto mejor dejarlas en manos de especialistas del lenguaje, la palabra la imagen y ese encuentro magico ya que evidentemente esto no es una pipa.
Creo que fue en el 97 cuando enrique llego de europa con este trabajo, lo vimos, lo acercamos a gente de televison hicimos la muestra en el borges donde se mostraban piezas de lamuestra montada en venecia. Hace rato ya que no veia el video entero. Años si, acompañé y fui parte de la construccion de sus collages, adorando ese quehacer de quien recorta palabras de un diario, de la vida cotidiana, de cada papel y cada situacion y las junta con imágenes del catalogo de una de tus amigas como quien cose o quien surce una media. Luego vinieron las cartas digitales, ya no mas tijera y plasticola. Todo este material, todo esta coser, maquetas al fin para grandes textos ploteos gigantes que empezaban en el techo y terminaba en la mitad del suelo, materia prima, maqueta para la posterior digitalizacion y lectura como musica de la television para leer. Yo no podria decirlo mejor que él, una escritura para mirar, una television para leer.
La TELEVISION en COMUN es el vehículo para el espectáculo de una nueva legibilidad de las comunicaciones escritas con la finalidad de ofrecer EL PLACER DE LEER a quien lo conoce por otras vías y a quien no lo ha encontrado en otro lugar.

La TELEVISION en COMUN invita al goce que utiliza simultáneamente distintas percepciones sensoriales mediante la presentación animada de escritos, acompañados por el sonido de las palabras mostradas y por la música que actúa como ritmo de su lectura.

La TELEVISION en COMUN, con su programación de cosas A SER LEIDAS  se plantea como puente entre la televisión que transmite sonidos e imágenes tomadas de lo vivo, de personas, objetos, ambientesŠ y las redes telemáticas de acceso interactivo

a la información escrita.

La TELEVISION en COMUN transmite diversos tipos de programas elaborados A TRAVES DE LA COMPUTADORA y a partir de: documentos en papeles; la prensa

local, nacional o extranjera; fax y telex; páginas electrónicas que circulan en redes telemáticas y comunicaciones personales enviadas a través de modern; recortes de la televisión que suponen el uso de la escritura y del televideo.

Esta convocatoria, a esta mesa me encuentra despues de un mes de homenajes cansada, casi agobiada por la elaboracion del recuerdo y casi sin palabras frente a su ausencia. Una cierta distancia, me permite finalmente sentirme seducida y tentada de producir paginas de todo contenido agradeciendo el paso del tiempo cuando este hace parecer todo mas facil. La tecnologia hoy brinda programas sencillos para la digitalizacion de textos y tambien hace rato que no es indispensable mandar la info por telefono. Las personas entrenadas en estos lenguajes y estos programas se encuentran mucho mas a mano, todo es mucho mas sencilo que aquel momento en que Enrique Ahriman tuvo que depender de la creacion de programas digitales especiales para la realizacion de este video que basaba su distirbucion en la linea telefonica. Encuentro hoy en este trabajo una herramienta util, un medio infinito para la transmision del conocimiento, una empresa comun que espero a  Ustedes esté tentando tanto como a mi.
Muchas gracias
apunta ahriman en su conferencia items que deberian ser estudiados en detenimiento como que LEGENDA prevé que el usuario adquiera el derecho de participación en las utilidades de la sociedad, por ejemplo

La TELEVISION en COMUN dispondrá dentro de su programación de otra potencial fuente de ingresos constituida por los espacios destinados a la publicidad.

La TELEVISION en COMUN incrementará sus propios ingresos mediante la venta de programas concebidos también para ser comercializados en videocasetes o transmitidos al exterior.

En estos puntos me gustaria indagar en relacion  a  los modos  en que esta  television porduciria  dividendos en sus asociados y participantes, dinero y trabajo para mucha gente, motor de pensamiento que ocupó a enrique en sus ultimos meses y sus ultimos proyectos, aquí en argentina. 

Geografía del umbral

·         “loco es quien se queda sólo con la razón” ( G.K.Chesterton)

la magia avanza junto con la ciencia, su frontera se corre como el horizonte del conocimiento claro pero sobre lo que éste aún ignora. Ella ya lo sabe pero es oscura.

jorge  dipaola

Horizonte: primera palabra que viene a mi mente matutina:
 Caminé como equilibrista el horizonte. Borré su línea con el dedo. Borrar la línea que no existe, que pavada me dije.

Cuando se dibuja un cuarto se hacen tres líneas al menos. 2 de los zócalos y una vertical, entonces aparece un ángulo y todos sabemos que es la esquina del cuarto. Pero esa línea nunca estuvo ahí, no existía antes que se eleven las paredes. Sólo vemos la línea cuando dos muros se acercan.

Volviendo al horizonte: Una rayita que es real en nuestra mirada La línea erótica o el vértigo horizontal. Es tan larga que de recta se vuelve curva.

Hay un lugar que no tiene precio, ni destino, ni intención. Es el límite de las reflexiones. Es la definición del universo que puedo comprender Su línea absoluta. El límite celeste,

Una hendija entre dos mundos

¿será aquel punto extremo al que se puede llegar a pie? Será el lugar de donde los puntos se fugaron? O aquel lugar de donde vienen los sueños.
Es la promesa del paisaje que no piensa cumplir. Así es la madre naturaleza.

Apenas un cinturón de palabras con que ciño el mundo. Defino una obra, construyo un discurso: la línea de texto más larga que puedo escribir. La escribo para quebrarla, para dudar. La escribo para transgredirla. Para ampliar o ensanchar el horizonte, reducirlo o achicarlo.

A donde ir entonces

Superficie. sueño pampeano.  perpendicular a la razón y paralelo a nuestros sueños.  posibilidad planetaria.  El borde, el ojo y el principio de otra ficción. Mi plan, mi destino, generalmente mi error.
Vista aérea, la ciudad cuando llegamos a casa, antes de viajar del avión, bah, una vista planetaria . Me recuerda aquel cuadro de Guillermo que dice coming home, creo que esas lucecitas eran azules, las del aeropuerto. Me recuerda a mi propio  televisor, antes de dormir, cuando apagamos la luz y frente a la cama los artefactos todavía tienen puntos luminosos. La discoteca esta prendida me digo, y me levanto a desenchufar para  permitirme la entrada a algún otro mundo. La información acumulada que no hace más que hacer ruido. Leds lucecitas electrodomésticas

El televisor, la heladera, el refrigerador, el equipo de música. La ficción. El sujeto es constructor de territorio. Entrega espacio al ruido y lo hace música, silencio o terreno.

 El artista Daniel Trama es ingeniero electrónico. Trabajó por años con televisores: primero en una planta que los fabricaba y luego controlando su funcionamiento en el mercado; hoy se desempeña como asesor de la empresa Samsung Electronics.

la luz:  el blanco es verdoso, azulado o rojizo, pero nunca blanco. El blanco es tiza es zinc es sal, es nieve. Por qué no, silencio. las superficies de proyección son Fotos o pinturas, objetos o esculturas, instalaciones lo mismo da.

Personas que viajan, pensamientos escritos con luz de tal o cual manera precisa. En esta obra

se conjugan medios gráficos, la pintura, el dibujo, la televisión, la fotografía.

La imagen escrita de códigos televisivos y el láser, se proyectan sobre superficies blancas –papel, hielo, sal- a partir de estructuras instaladas de un montaje que va aumentando gradualmente su complejidad constructiva.
A esto se  suman los proyectos territoriales de seguimiento de recorridos, ya no del haz de luz sino de la obra misma, como en su proyecto Tracking donde rastrea el destino de las obras registrando y documentando a su nuevo poseedor o en Topologías migratorias donde trabaja en la construcción imaginaria de un territorio ampliado a partir de la recopilación de información  brindada  por un grupo de amigos que emigraron recientemente El  ser humano y sus movimientos migratorios, movimiento y la velocidad se  suman al lenguaje formal de esta obra. El truco, el efecto especial, un modo de utilizar el conocimiento científico para volverse mago o poeta..

Un mapa afectivo, así me gusta  ver su obra. Una historia de vida. Los recuerdos de la nieve

El silencio del paisaje, la luz catódica vuelta pintura. Me gusta verlo como un mago que escribe con luz.

ciencia + investigación + pensamiento visual + percepción + magia

la conjunción natural de estos componentes impone la construcción del relato y un modo de contarlo.

¿o es que  seguiremos pretendiendo que el reconocimiento de un lenguaje visual nos evitaría una narrativa histórica? O seguiremos pretendiendo también,  que el protagonismo inevitable del lenguaje nos eximiría de reinventarnos como sujetos en nuestra propia obra?

Me gusta su actitud inquisitiva respecto a su propia producción. Verlo andar hacia su horizonte. Y espero el momento donde hace el salto porque la línea se quiebra.

Verlo cruzar la línea, Porque una línea recta jamás existió.

la línea del mundo es muy embrollada  Siempre hay que empezar de nuevo e incorporar nuevas `practicas

para terminar voy a aprovechar unas palabras de cesar aira, que dice:

En este sentido, entendidas como creadoras de procedimientos, las vanguardias siguen vigentes, y han poblado el siglo de mapas del tesoro que esperan ser explotados

Al compartir todas las artes el procedimiento, se comunican entre ellas: se comunican por su origen o su generación. Y, al remontarse a las raíces, el juego empieza de nuevo.
     El procedimiento en general, sea cual sea, consiste en remontarse a las raíces. De ahí que el arte que no usa un procedimiento, hoy día, no es arte de verdad. Porque lo que distingue al arte auténtico del mero uso de un lenguaje es esa radicalidad.

          un rayo de luz no es tan sólo fotones

·        

·         ¿ cómo decidir sin magia?

Maestros argentinos

por  diana aisenberg

Dando por cierta la hipótesis que plantea en su ponencia Roberto Amigo sobre la inexistencia de la “escuela argentina” y la escasa inscripción del “arte argentino” como entidad, en la tradición occidental y el panorama internacional, encontramos que la educación artística y la apropiación de modelos  que generen pertenencia pareciera establecerse a partir de vínculos privados difíciles de rastrear.

Abundan los ejemplos de artistas que abandonan las escuelas de arte porque no los satisfacen, incluso profesores desilusionados de los alcances de la institución y una situación general que se ejemplifica claramente en la cita que Rossi toma de Siqueiros: “a los estudiantes de arte los encanan constantemente”. Siempre al margen de la oficialidad siempre en conflicto con “la institución”. Se genera una atomización de los canales de transmisión, que si bien dificultosos de rastrear, podrían significar un semillero de libertad. Relaciones afectivas, amistosas y personales pululan generando una red de células inconexas que funcionan por aislamiento o marcando diferencias. Los saberes se difuminan y los canales de transmisión se vuelven sutiles, subterráneos, a veces desconocidos. En un intento de encontrar las puntas y pilares de construcciones de esta red, artistas, críticos e investigadores del arte argentino expusieron sus experiencias personales y lecturas profesionales sobre individuos a los que se considera “maestros”.
Se realizó una apreciación de las obras como bien cultural, como acción social y política, y de las vidas de los artistas como un aporte de patrones existenciales.

Participaron de este ciclo alumnos directos de maestros ya desaparecidos y profesionales especializados en individualidades históricas reconocidas como maestros o modelos. Las ponencias evidenciaron la complejidad de este término revelando distintas versiones: Vínculos confesionales o no, unen en profundidad a ciertos individuos que depositan su confianza en una figura exterior, tomada como factor común. La institución ofrece la opción de cristalizar mensajes y así impedir que estos se diluyan como el humo, reanimando el sentido que queda durmiente en ciertos trazos.

Partimos de la relación de principio que une una memoria a un territorio y nos encontramos frente al enigma en el cual consiste la constitución de una herencia y de qué manera se elabora y perpetúa la información para llegar a constituir un territorio. Identificar a alguien como maestro implica ante todo un reconocimiento, una referencia y un diálogo que comienza, lo que hace nuestra condición mucho menos solitaria. Los maestros influencian, funcionan como ejemplo, son inolvidables por su intensidad, suelen transformarse en personajes de culto o ser ilustres desconocidos. Encarnan autoridad muchas veces a pesar de sí mismos, aunque lo mas importante es que tienen discípulos, seguidores y estudiosos con los que participan de un vínculo sutil, difícil de precisar conformando un intrincado capítulo en la historia del sentimiento. Unos y otros crean entre sí una disponibilidad que construye y constituye las posibles lecturas de nuestra historia del arte.

Se presentaron casos de maestros que nunca enseñaron y maestros junto a sus discípulos como Batlle-Aizenberg o Berni–Piccoli. Aída Carballo, -el arte como posibilidad de sanación- fue presentada por la artista María Inés Tapia Vera, su discípula y asistente. No todos recibieron la misma atención en vida. Schiavoni no ejerció la docencia ni la crítica, no tuvo cargos oficiales ni fue jurado de salones. En el texto de Roberto Amigo el concepto de “maestro”, aparece ligado a la idea de “escuela”. Mario Gradowczyk, por ejemplo, presentó la preocupación de Xul por la problemática de la arquitectura, en el contexto de su visión de mundo, una visión cósmica del arquitecto y del artista en el mundo. Una visión de profundo contenido esotérico.
Nunca quise ser maestro, y mucho menos en las academias-dice Del Prete; Cippollini lo presenta como el primer artista que, sin proponérselo, mediatizó su obra al fotografiarla constantemente. Para Spilimbergo la pintura es un documento viviente, un terrible compromiso con un mundo. La pintura fue su instrumento de intervención en esa realidad que precedió a la segunda Guerra Mundial.

Maestros y artistas son eslabones en la cadena de transmisión del pensamiento. Existen maestros a quienes se los reconoce a través del tiempo y es en la recolección donde se construye una herencia. Hay reliquias sin recoger y restos amenazados de desaparición.

La pregunta que se evidencia es de qué manera somos capaces de elaborar y perpetuar la información para organizar un conjunto y solidificarlo y si es que esto es necesario.

El ciclo concluye con una mesa de reflexión compartida sobre este concepto con la gentil presencia de las teóricas Ana Longoni, Teresa Constantin y de los artistas Mónica Girón y Tulio de Sagastizabal.

En perseguirme, Mundo, ¿qué interesas?
¿En qué te ofendo, cuando sólo intento
poner bellezas en mi entendimiento
y no mi entendimiento en las bellezas?
Sor Juana Inés de la Cruz

Cuenta una antigua leyenda que una pastorcita cocinaba guiso de lentejas y al ir a comerlas fue atacada por miles de abejas. La pastorcita pidió ayuda a la Virgen en voz muy alta y Ésta apareció y espantó a las abejas logrando que la niña comiera tranquila. Así nació el culto a Nuestra Señora de las Abejas. Era el siglo XV.

* María. Judith. Ofelia. Lucrecia. Salomé. Dalila. Artemisa. Venus celestial. Temerosa Prosperina. Ceres(madre de los panes). Nuestra Señora de las brillantinas. Virgen de los flippers.

* Cerda. Yegua. Perra. Zorra. Burra. Comadreja. Serpiente. Lechuza. Loba. Tigresa. Sirena. Bruja.

* Desvergonzada y aún pudorosa. Aterradoramente despiadada. La santa. La buena. La mala. La más linda. La maga. La triste. La introspectiva. La dramática. La descocada. La caprichosa. La colegiala. La enamorada. Cazadora de mariposas en la pantalla del video game.
 
La obra es un espejo mágico en donde se mira quien te mira; una colección de historias en
lápiz y mouse o aguja de bordar, que oculta y revela simultáneamente.
Es en la suma de fisuras, en la hendidura, donde el sujeto aparece como cierto.
Su naturaleza es performática. Lenguaje y narrativa se diluyen. Una presencia única nace, de tanto colarse sus facetas hiperbolizadas, unas en otras.
(la diosa y todas las diosas. Y todas las caras de la misma diosa).

Flavia Da Rin:

Devota ante todo del amor, de sus amigos, de sus amores, de sus maestros, de sus elecciones. Esa misma devoción que en su intensidad, es capaz de solidificar afirmaciones hasta volverlas universales como la misma risa (o la tos).
Avanza hacia los limites, esa calidad de entrega que me hace pensar en Sor Juana y claro, en Santa Teresa y sus pasiones inflamadas por Bernini.

Cultiva su devoción y sabe, de la necesidad de retornar al sujeto como partícula de libertad.
En el acto mismo de ocultar, no encubre nada. En suma, no hay nada que ocultar.
Reinventa la subjetividad hundiendo raíces en el infinito.

–“Me gustan los chicos -dice -, así que les saco fotos en cueros”.

 Construye su relato, una autobiografía descarada:

* Cuando yo era chica jugaba sola. Lo que se usaba y se veía en Buenos Aires cuando yo era chica (los colores de los ochenta). Lo que dicen los demás. Cómo me ven los demás. Cómo me veo. Lo que leí. Lo que me dijeron. Lo que me pasa. Lo que me pasa por la cabeza. Lo que me digo. Lo que me hace feliz (como los colores). Mis miedos. Mis fantasías, (juguetear con la muerte). Los chicos que me gustan. El juego que jugaba con mi ex novio. El video que está haciendo Mariano. Mis amigos. Las mujeres que admiro. Mis recuerdos de infancia. Mi padre.

 * El puño y letra. Al correr de la pluma o al correr del pincel. El chat. El cómic. El Pop. La cita. La tipografía Las figuritas coleccionables. Los stickers. La psicodelia. Mucho plástico. Las tapas de los discos. Las letras de las canciones. Los colores del under. Nostalgia sesentista. El grafitti. Dance. La música post punk. El lado B. La clase B. Sangriento de terror. Bizarro. Trucho.
 
La luz es la de fluorescente, no viene del cielo ni de la ventana, ni siquiera de un portalámparas.
(se sabe que la fluorescencia puede detectar situaciones determinadas, así como el estrés de las plantas).

 ¿De qué se ríe Flavia da Rin? –Lo arruiné- dice.
Game over.

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de: daisy@2vias.com.ar
para: Flavia Da Rin <fladr@fibertel.com.ar>

asunto: Re: ultimas baño
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Querida Flavia:

                   Eso que vos te decís a vos misma es lo mismo que me digo a mí.

El sonido de los diálogos de tu obra es el que escucho cuando hablo conmigo misma. Eso que vos decís, también yo me lo digo. No aseguro que esto garantice alguna Verdad pero sí una alegría inquietante. Un secreto compartido, un secreto a voces. Por cierto, un buen respiro.Te veo ahí, apuntándote con ese secador de pelo !nena! y me acuerdo de Enrique cuando decía que Ofelia cortocircuitó al caerse la radio encendida dentro de su bañera, mientras tomaba el baño de inmersión. Lo que escuchaba por la radio eran las voces de Hamlet, Polonio y Laertes.

Diana Aisenberg, 2004.

La metafísica sexy de Adriana Minoliti

La presencia matérica de la mancha desborda el espacio quieto, geométrico, escenario donde estelan el silencio y la espera. El tiempo detenido. Bisagra entre la nada y el ser. El adentro y el afuera. El campo y la ciudad. La mujer de la noche y la mujer sumisa. La arquitectura y la geografía. El más acá y el más allá.

-¿Viste que no hay ninguna pintora metafísica? Parece que Silvina Ocampo estudió con el maestro De Chirico en París durante seis meses. Nunca vi sus pinturas.

Hay un despertar en el navegar sonámbulo. El más bello de los nexos es el que crea la mejor unidad entre las cosas que liga.

Un edificio blanco y rocas en primer plano, la tierra hecha carne, las rocas escenográficas y todo el cielo que se encierra en sí mismo. Como si estuviera todo dicho, sin explicar nada.

Me encuentro caminando con gracia equilibrista -un pie y el otro pie- sobre la línea imaginaria que me sostiene, línea cornisa, la tierra y el precipicio. Duchamp opone al vértigo del movimiento, el vértigo del retardo. Pintó el acantilado antes de hacer descender el desnudo por la escalera y mucho antes que la novia puesta al desnudo (el gran retardo). Una maquinaria estéril en la cual todo funciona pero nada concluye. Engranajes perfectamente seteados para sostener un estado suspendido. El movimiento previo a la escritura, lo informulado. Un regodeo de las vanguardias.

-¿El diluvio? –No, la inundación.

Podría ser catastrófica pero es auspiciosa.

Los saberes metafísicos aparecen ligados a las bajas pasiones.
La casa, el arca, el paquebote. Misterioso cuboide. La geometría, un punto de vista. En el escenario teatral -entre bambalinas- cuadro por cuadro, un guión telenovelero despliega el núcleo que se desarrolla. Minoliti prepara los fluidos con materia densa, arena y brillo.  Pinta cuadros como si creara escenarios para su vida personal, mejor dicho, construye las escenografías de su cerebro, dialoga con la Historia del arte para desentrañar una espacialidad que incluya la geografía del espíritu. Mis temas -dice- son la vida sentimental, los amores, los fracasos, los detalles sutiles de las relaciones del amor, el sexo y la vida.  Mi velocidad personal.

Roberto Aizenberg: Presente. Los maniquíes sin rostro de los metafísicos mutaron en alegres piernas. Adriana testea el roce de esas piernas. El silbido del rayo, el fragor de los truenos y las piernas columpian sobre espinas. El erotismo comunica lo que el lenguaje se rehúsa a hacer. El círculo se abre. El aislamiento no es más que un engaño, aquí sí, hay salida. Transgredir se impone como principio moral y se revela como idea del estado incompleto.

El desprecio implacable de la silla vacía: fracaso-privación-renuncia; como si le hubieran dicho esperá sentada. Luego la salida del adormecimiento. Hay una soledad que grita frente a la ausencia de respuesta. El Deseo -tener como objeto la ausencia del objeto- y una plegaria. Líbrame de imaginar el cielo sin mí.

La occidentalidad y sus juegos con la nada.

Una mancha exabrupta desafía a la silla vacía. En un instante quedé sin aliento. Hay un delirio infinito en un instante (no pasó tanto del tiempo en que los hombres alimentaban las hogueras con miles de brujas). La bisagra donde la espera incierta se hace alegría. El instante mismo de la trascendencia. Es el momento del giro. El goce de la materia, la ley y la trampa. El capricho.
Como en el desprendimiento de un glaciar, los fluidos sexuales sobre la tela invaden los espacios llevando consigo todo lo que encuentran. El pulso de las piernas, el pulso del mismo fluído, el pulso atmosférico. La mancha alegre desborda el cuadro tornando la superficie abierta y pública.

Es un instante raro, cuando el silencio desiste (la estatua habló). Es el momento de corte y la insinuación del erotismo aparece como promesa del desdoblamiento.

El arte, dice Savinio, surgió del fecundo seno de la Memoria; el arte presta una personalidad a los objetos, y un alma a las cosas, a los muebles, a las casas.

No hay ídolo hermafrodita, hay una historia de amor. La espiritualidad reside en el cuerpo. En el silencio, se oye lo absurdo del mundo. La serena pero inquieta superficie, rebalsa.

Diana Aisenberg

Nicolás Domínguez Nacif 

    El bien común:   Nicolás Domínguez Nacif  lleva la poesía en los pies, y se mueve rápido.

La desparrama haciéndose ciudad cuando él mismo  se camina. Como quien no quiere la cosa, como quien simplemente vive, hace  historia del arte.  Estampa juventud,( crítico agudo ), del impulso hace sistema, y del sistema entendimiento.

La rebeldía, me digo, como motor de luz, será posible? pareciera que sí. Vivir del arte para el arte y pensar en arte, haciendo arte en el arte de decir .Su medio es el acto y el acto es su vida. Su pensamiento es acción y su obra, ofrenda. Pintor y performer, dibujante  de ironías, provocador amoroso,  relator del tiempo para el weather report. Todo esto  y mucho mas, en acto de concisa precisión. Amante del amor, enfrenta  la decepción en el afán sentirse útil. Compren arte, declara, toda persona puede gozar de este privilegio: su acto instaura el saber,

invita  a la experiencia, y genera el beneficio de la práctica.

Nicolás Domínguez Nacif Diana Aisenberg Septiembre del 2000

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Marina De Caro

Es muy difícil privarse  de  reventar sin parar las bubbles del plástico en que   venía envuelto tu  último electrodoméstico, de despellejar una cascarita, o tirar del punto suelto hasta destejer todo el pullover.........

Los dibujos de De Caro son:

los mas lindos, los mas chatos, los mas rellenos,

los mas blandos, los mas movidos, los mas continuos,

los mas dedicados, los mas agradecidos.

Los dibujos  de De Caro corren como agua de río ( de río limpio)

Son livianos, soportan peso (tienen muchos brazos)

Tienen los dedos mas largos.

Salen del papel, van por la pared, caminan por el techo,

 no les molesta el suelo, no les molesta nada.

Los dibujos de Marina De Caro se tejen solos.

Decididamente inevitables.

Centro Cultural Borges, diciembre 2000 Marina de caro, dibujos, Para mi abuela Sofía Alexander Beikelman